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巴洛克音樂（baroque 音樂）是在巴洛克時期，大約1600年至1750年間起源于意大利，流行于歐洲的一種西方藝術音樂風格。

巴洛克音樂分為早、中、晚期三個主要階段，以世界第一個歌劇的誕生為起點，結束于約翰·塞巴斯蒂安·巴赫的逝世。巴洛克音樂受文藝復興時期的影響，帶有濃重宗教色彩。它的主要特點是通奏低音、賦格化復調的運用、“單一性姿態”的音樂展現，使用復雜和聲，通常表現出強烈節奏感和豐富的音色，表達出濃烈情感。巴洛克音樂極大促進了聲樂和器樂的發展。確立歌劇作為一種音樂流派的地位，產生大型宗教聲樂套曲，從清唱劇到康塔塔、受難曲。擴大器樂表演的規模、范圍和復雜性，創造出巴洛克的奏鳴曲、協奏曲和組曲等器樂音樂體裁。并且該時期產生的許多音樂術語和概念至今仍在使用。

巴洛克時期擁有許多杰出作曲家，如約翰·塞巴斯蒂安·巴赫，代表作品有《馬太受難曲》《哥德堡變奏曲》等；格奧爾格·亨德爾，代表作品有《彌賽亞》《三套水上音樂》等。同時，他們二人共同創作的《勃蘭登堡協奏曲》被認為是巴洛克音樂的巔峰。

命名

巴洛克最早指從17世紀后期到18世紀在歐洲流行的建筑和裝飾風格，1765年，來自法語irregular（不規則），據說巴洛克源自葡萄牙語“barroco”，意思為形狀不規則的珍珠（又譯為“畸形的珍珠”），因其起源不確定，可能還與西班牙的“a wart”有關。巴洛克時期是西方音樂史上的一個重要時期，所以該時期產出的音樂作品稱為巴洛克音樂。

隨著十八世紀末古希臘羅馬藝術的復興，“巴洛克”這個詞長期以來被人們認為是貶義詞，被嘲笑為形式笨拙、扭曲，裝飾奢侈。最初人們多用它來描述美術和建筑領域奇特的新風格，屬于批評用語，后來才逐漸被應用到音樂領域。直到19世紀，有人將“巴洛克”作為一個斷代史的指稱，這淡化了對 “巴洛克”這個詞的負面性審視，到20世紀，“巴洛克”最終被Heinrich W?lfflin的藝術史詞匯用來指定為音樂的一個歷史時期。

歷史沿革

按時間線索

巴洛克時期一般被分為三個發展階段，早期、中期和晚期，它的分法始于曼弗雷德·布科夫策的著作《巴洛克時代的音樂——從克勞迪奧·蒙特威爾地到巴赫》。同時，巴洛克音樂流行時期的一般以歌劇的誕生（1600年）為開端，而它的終結則是以約翰·塞巴斯蒂安·巴赫的逝世（1750年）為標志。

早期

早期大約開始于1580—1600年，因為在1600年前后誕生了歷史上第一部歌劇，于1630—1650年結束。該時期出現了一群人文主義者、音樂家、詩人和知識分子，組成了Florentine Camerata（佛羅倫薩卡梅拉塔）意大利詩人和音樂家協會，他們在喬瓦尼·德·巴迪伯爵的贊助下聚集在一起討論和指導藝術，尤其是音樂和戲劇的趨勢。他們拒絕了同時代人對復調和器樂的使用，并討論了諸如獨奏之類的古希臘音樂手段，其中包括獨唱和基塔拉伴奏。Camerata的主要成員有理論家Vincenzo Galilei（天文學家伽利略·伽利萊的父親）和作曲家Giulio Caccini。這些想法的早期實現，包括雅各布·佩里（Jacopo Peri，意大利作曲家）創作出歌劇《達芙妮》，產生出新的戲劇演唱風格，與文藝復興時期傳統的復雜復調質感截然不同，這些標志著歌劇的開始，在某種程度上促進了巴洛克音樂的形成。結合這些作曲的新想法，克勞迪奧·蒙特威爾地（Claudio Monteverdi）開發了兩種獨立的作曲風格，文藝復興時期的復調（prima pratica）和巴洛克（seconda pratica）的新低音連奏技術，推動了從文藝復興音樂風格向巴洛克時期音樂風格的轉變，是當時新流派歌劇最重要的開發者。它還創作了許多宗教音樂作品和牧歌，其中牧歌的產生標志著意大利文藝復興后期世俗音樂發展的頂峰。其主要作品有《奧菲歐》《尤利西斯的歸來》《波佩阿的加冕》等

這個時期是文藝復興風格向巴洛克風格的過渡時期，也是巴洛克音樂風格形成的時期。巴洛克早期音樂風格主要受文藝復興后期意大利的影響，這個時期的作曲家正處在新舊時代交替時期，他們受到當時的革命和人文主義開放思潮的影響，他們試圖打破常規，努力從文藝復興時期的音樂體裁和作曲技法上走出來，尋找新的表現手法，力求突破16世紀舊的音樂體裁和表現手段。這個時期，從創作實踐到美學理論都有了新的創造。

中期

中期大約開始于1630—1650年，結束于1680—1700年。這段時間是巴洛克音樂的定型期，這個時期的作曲家在創作音樂作品的時候逐漸形成一個共識——采用同一種音樂語言進行創作，以此區別于其他時期的音樂創作。這個時期各種音樂的體裁和形式都得到了極大規范和發展，加上眾多著名的偉大的音樂家和作曲家們的共同努力，促使系統化的音樂模式在歐洲迅速流傳。新的音樂風格從意大利傳播到歐洲各地，幾個世紀以來統治著歐洲音樂的中世紀調式（教會調式）逐漸被大小調式所取代，到了大約1690年，大小調式成為大多數音樂作品的基礎。巴洛克時代中期的另一特征是器樂獲得新的重視。隨著樂器生產工藝水平的不斷提升，作曲家開始有意識的嘗試組合不同的樂器，并有了一批早期的器樂音樂體裁，包括最早的奏鳴曲和協奏曲，以及巴洛克時期的組曲、賦格曲和托卡塔等。作曲家開始為特定的樂器譜寫音樂，其中提琴族樂器廣為流行。

晚期

晚期大約開始于1680—1700年，結束于1730—1750年。這是巴洛克音樂文化自身不斷完善的時期，同時也是巴洛克音樂發展的一個鼎盛時期。這個時期的音樂家和作曲家在繼承前人經驗的基礎上，進行開拓創新并不斷完善，創作出了一大批高水平的音樂作品。早期的巴洛克作曲家偏愛主調織體，而晚期的巴洛克作曲家偏愛復調織體。

在這個特殊的歷史過渡時期，讓·拉摩（Jean-Philippe Rameau）、多梅尼科·斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti）、約翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）、格奧爾格·亨德爾（George Frideric Handel）等音樂家集百年來音樂之大成，將巴洛克音樂發展至一個新的高度。比如，拉莫在他39歲發表的理論著作《和聲學》中，將理論與實踐結合，真正地將“和聲”作為一種理論來看待，確立了許多和聲的理論基礎，至今仍然適用。也就是由《和聲學》開始，西方音樂的創作進入到了一個新的階段。而以巴赫和亨德爾為典型代表的音樂大師們在不懈的音樂創作中，將歐洲近100多年來的巴洛克音樂發展推向了更高、更為輝煌的音樂藝術巔峰，并預示了一種新的古典主義音樂風格的興起。

按地域線索

17、18世紀的歐洲處于南由封建社會向資本主義社會過渡的階段，不僅在科學文化方面發生了跨越式的發展，同時，人文思想的傳播和新教相對寬松的意識環境促進了西方近代科學的興起和文學藝術的繁榮，歐洲各國政治和文化上的差異又使各國的音樂文化呈現出不同的面貌，巴洛克時期音樂文化的發展則主要集中在意大利、法國、英國、德國四國。

意大利

歌劇起源于意大利的佛羅倫薩，而后在羅馬，威尼斯共和國、那不勒斯三個著名的城市得到不同特點的發展，意大利成為歌劇的中心。在意大利，一方面，羅馬天主教廷的勢力被宗教改革大大削弱，人們從內部開始接受人文主義思想，支持科學和藝術的發展，出現了擁有神職人員背景的音樂家，如安東尼奧·維瓦爾第、馬蒂尼等；另一方面，富裕的資產階級與貪圖享樂的貴族階級共同培養了意大利世俗音樂良好的發展土壤，由此歌劇誕生，并很快成為大眾娛樂的主要形式(公眾歌劇院產生)，取代了宗教音樂的主導地位。同時，這一時期以小提琴為代表的弦樂藝術得到繁榮發展。歌劇作為一種優秀的藝術形式在意大利本土發展的同時，逐漸在別的歐洲國家得到引進和發展，其中最為重要的是法國，另外在英國和德國也有一定程度的發展。

法國

在歌劇傳入之前，法國擁有自己的舞臺獨特表演形式——古典悲劇和芭蕾舞。當時，路易十四的封建制度改革加強了中央集權，在他“朕即國家”信條的影響下，法國宮廷成為巴洛克時期法國文化的絕對中心，音樂理所當然地帶上深深的宮廷印記。在意大利歌劇傳入法國之后，其與宮廷芭蕾舞結合，形成了獨具特色的法國歌劇，同時，作為適用于小規模宮廷室內音樂的古鋼琴音樂也得到了發展。在這個時期，法國著名音樂家大多服務于宮廷，如讓·呂利、讓·拉摩、弗朗索瓦·庫普蘭等。

英國

和法國一樣，英國早期也有屬于自己的舞臺表演形式，假面劇。在英國資產階級革命勝利后，排斥音樂的清教徒執掌君主立憲制政權，不僅停止了宗教儀式中的音樂，而且封閉了所有的歌劇院，英國音樂幾乎停滯，直到1660年斯圖亞特王朝復辟，英國音樂才得以發展，誕生了歌劇作曲家亨利·亨利·普賽爾（Henry Purcell），創作出悲劇歌劇《狄多與埃涅阿斯》，他是真正使英國歌劇開始具有本民族色彩的作曲家。而在普賽爾去世后，英國音樂再度沉默，直到格奧爾格·亨德爾的到來才為它帶來一絲生機。

德國

在德國，馬丁·路德宗教改革引起了新教與天主教之間長達30年的宗教戰爭(1618—1648)，使得諸侯割據加劇，人口劇減，生產力急劇倒退，如此貧瘠的政治經濟學土壤無力承擔德國式歌劇的誕生，只能聽任意大利式和法國式的歌劇充斥著德國宮廷與歌劇院，直至18世紀沃爾夫岡·莫扎特創立德語歌劇。雖然世俗化的歌劇未有發展，但馬丁·路德新教的會眾同唱形式(眾贊歌)給巴洛克時期合唱音樂的發展鋪就了道路，清唱劇和康塔塔這兩種合唱形式得到發展，出現了格奧爾格·亨德爾的清唱劇和約翰·塞巴斯蒂安·巴赫的康塔塔；同時，與宗教音樂密切相關的管風琴音樂在德國得到了蓬勃發展，得益于新教寬松的音樂政策和音樂普及教育，新教地區成為德國音樂發展的沃土，德國音樂后來者居上。

現狀

雖然巴洛克時期在250多年前就結束了，但隨處都能聽到那個時代的痕跡。一些最有影響力和最受歡迎的作品仍定期在音樂廳演出，如著名的柏林愛樂樂團樂團在2020年6月27日的柏林愛樂云系列音樂會中，幾位柏林愛樂樂團的演奏員作為獨奏家演奏了許多巴洛克音樂經典曲目。今天仍在使用的許多音樂流派，如清唱劇、協奏曲和歌劇，都起源于這一時期，它的影響甚至可以在藝術音樂領域之外聽到：爵士樂中獨奏和團體之間的自由運動有時被比作巴洛克音樂，約翰·塞巴斯蒂安·巴赫和安東尼奧·維瓦爾第的片段經常出現在重金屬吉他手的獨奏中。

藝術特點

巴洛克音樂早期與崇尚古代文化的文藝復興時期相接，后期同有著華麗風格的古典主義與強調情感的浪漫主義時期相連，這既是一個宗教仍在起作用的時代，也是一個理性主義逐漸形成的時代，因此巴洛克時期在西洋音樂史上起到承前啟后的作用。該時期音樂家們注重在音樂作品中運用各種裝飾技巧，如顫音、裝飾音、裝飾音階等，使音樂更加華麗而精致。此外，巴洛克音樂的結構通常也非常復雜，包含著多個聲部的交錯和對位法的應用，給人以深度和層次感。在聲樂方面，巴洛克音樂帶有很濃的宗教色彩，因為當時的宗教音樂在西方音樂的發展占很大的分量。“巴洛克”作為一種獨特的藝術風格，在藝術精神和手法上與盛期的文藝復興時期有著明顯的區別。

對比

“對比”是巴洛克音樂最顯著的特點，也是巴洛克作品戲劇中的重要成分，不同樂器和音色之間的差異在許多巴洛克作品中都起著重要作用。這一特點表現在多個方面，如音調高低的對比、速度快慢的對比（段落快慢、聲部間快慢的對比）、力度強弱的對比、音色的對比、獨奏全奏的對比、獨唱合唱的對比等。在一個樂章之內保持一種基本情緒，兩個不同的樂章有情緒之間的對比。音樂的力度不追求漸強和漸弱的細微變化，而是采用較為清晰的“階梯式力度”。

情感論

討論到對比性的同時很多學者也會聯系到這些差異和戲劇性引起的樂曲轉變，盡管在巴洛克音樂作品中，不同樂章之間存在差異很重要，但擁有一個連續的情緒和韻律脈動仍然占主導地位，它們旨在引起一個獨特的情感反應，這種說法通常被稱為“情感學說”（又稱“情感論”）。“情感學說”是巴洛克時期占主導地位的音樂思想，文藝復興時期的音樂或服務于宗教，或用于娛樂和欣賞，而巴洛克時期的音樂，更加注重如何用音樂喚醒人們的情感，它是藝術平民化的開端。音樂藝術比其他藝術形式更能讓人們產生情感認同，利用此特點巴洛克音樂家們通過復雜的旋律線和和聲編織，以及運用動態的變化和音色的巧妙搭配，將情感融入音樂之中，從喜悅和歡快到哀愁和沉思，給人以強烈的情感沖擊。同時，巴洛克音樂也經常與劇院和舞臺藝術相結合，形成了壯觀的歌劇和宗教音樂作品，通過音樂的力量引起觀眾的共鳴。

通奏低音

“通奏低音”也叫數字低音，它是一種記譜法的改變，使得傳統音樂表現方式發生了變化。通奏低音是巴洛克音樂最重要的特征之一，基本上由旋律加和聲伴奏構成。它強調高低兩端的聲部旋律線條，即低音部和高音部這兩個基本的旋律線條。通奏低音就是音樂織體中的“低音層”連續提供和聲性的伴奏，它的具體形態往往是作曲家在樂譜的低音聲部寫上明確的音，并說明其上方和聲的數字（如數字6表示該音上方應有它的六度音和三度音），演奏者根據這種提示奏出低音與和聲，而該和弦各音的排列以及織體則由演奏者自行選擇。擔任這一“低音層”的樂器通常是古鋼琴、管風琴或魯特琴，另外，大提琴、巴松或低音維奧爾琴也常常加入其中。在巴洛克時代，由通奏低音促成的主調思維構建在一個“主線條”加上伴奏聲部的組合，突出的是“主奏”為音樂導向的藝術表現。

賦格化復調

賦格化復調的運用是巴洛克音樂形態的第三個重要特征之一。主調性織體是巴洛克音樂的主體，但音樂中的復調處理依然是藝術表現的重要手段，其中賦格化復調成為一種具有典型意義的復調織體形態。巴洛克賦格化復調受到文藝復興音樂中模仿復調的深刻影響，但是巴洛克的賦格化復調建立在一個主題的基礎上，用持續的模仿技巧和講究的聲部布局來展示一種樂思的有序演進及其藝術意味，形成更為簡潔和“一體化”的音樂效果，這種新穎的復調處理所產生的音樂旋律，從某種意義上說，也是一種“單一性姿態”的展示。

調性和聲

調性的建立階段出現在巴洛克時期。約翰·塞巴斯蒂安·巴赫讓復調音樂達到了巔峰，他的《十二平均律鋼琴曲集》每首作品都由一首前奏曲與一首賦格相結合，用遍了二十四個大小調，有力證明十二平均律的優越性，被稱為“舊約圣經”，鋼琴詩人肖邦曾說：“《十二平均律鋼琴曲集》是音樂的全部和終結。”而平均律鋼琴的出現有力推動了大小調體系的功能和聲，標志大小調體系的最終成熟。

在整個巴洛克時期的作品中處處可以看到以“V-I”為標志性的調性和聲，此時作曲家的調性思維較簡單，對調性概念主要以和弦建立在一個對調中心的趨向性上。并且自中世紀以來，教會調式一直主要通過音符的排列方式來確定曲調的性格，這也是一種橫向思考的表達方式。在巴洛克音樂早期，以三和弦為基礎的調性寫作開始出現，各種大調和小調的和聲特色展現了樂曲的個性。同時，巴洛克時期的樂器已經發展得相當成熟，尤其是提琴家族的樂器，可以發出足以和管樂器抗衡的洪沛音色，因此，這個時期音樂創作強調的是數量和旋律上的對比。

藝術流派/類別

聲樂體裁

巴洛克時期出現的聲樂體裁有：彌撒、經文歌、眾贊歌、歌劇、清唱劇、康塔塔、受難曲以及各種獨唱、合唱曲。其中，以歌劇、清唱劇和康塔塔最為出名。

歌劇

一種以演唱為主，伴奏樂器并在舞臺上演出的戲劇，歌劇正是在巴洛克時代誕生于意大利的佛羅倫薩。歌劇通常在朗誦的、類似演講的歌曲和詠嘆調之間交替，這些歌曲是角色在動作中的特定點表達感受的歌曲，合唱和舞蹈也經常包括在內。音樂和戲劇的結合可以追溯到古代，包括古希臘悲劇、中世紀的儀式劇、宗教神秘劇、奇跡劇，文藝復興的牧歌套曲、田園劇、幕間劇等形式。早期的音樂劇，通稱為幕間劇（intermedi，意為“在中間”），幕間劇的內容通常是有關愛情或是基于經典神話的。它包括宣敘調、歌曲和芭蕾舞，是一種由音樂伴奏的經過訓練的舞蹈形式，在當時舞臺上演出。1607年，意大利巴洛克作曲家克勞迪奧·蒙特威爾地（Claudio Monteverdi）根據希臘傳說俄耳甫斯（Orpheus）創作的《ORPHEUS/L’ORFEO》是現存最早的歌劇，至今仍定期演出。

清唱劇

清唱劇( oratorio)在1600年前后誕生于羅馬，幾乎是和歌劇同時誕生的。一部擴展的音樂劇，其文本基于宗教主題，與歌劇不同之處在于清唱劇沒有復雜的舞臺裝置和戲劇動作表演。加入角色間的戲劇性對白的對話體宗教劇是清唱劇的前身，因而清唱劇是反宗教改革時期天主教教會音樂的特殊產物。17世紀末、18世紀初，清唱劇從羅馬流傳到威尼斯、佛羅倫薩等其他意大利城市，乃至德國與英國的很多地方-它開始產生了世俗化的傾向，甚至可以在公眾劇院上演。巴洛克晚期，這一體裁在格奧爾格·亨德爾的創作中達到了新的高峰。

康塔塔

康塔塔的意大利語是“cantata”，意為“歌唱”，泛指聲樂作品，與樂器演奏的形式“sonata”相對，其歌詞大都與愛情有關。康塔塔脫胎于17世紀初意大利的單聲部分節歌，產生于羅馬，從17世紀中葉開始，康塔塔有了明確的結構形式，即由兩三對相互交替的宣敘調和詠嘆調構成，均為獨唱加通奏低音伴奏。到17世紀下半葉，康塔塔逐漸擴大，有時加有序曲，或在聲樂部分加上炫耀技巧的樂句等，因此其創作要求精細、講究。此后，康塔塔又加入合唱，有的采用宗教性的內容，這就有了世俗康塔塔和宗教康塔塔之分，約翰·塞巴斯蒂安·巴赫的創作更是將這個時期的康塔塔發展到了極致，他的康塔塔作品堪稱康塔塔發展史上一個無法逾越的高峰，巴赫創作的康塔塔有200多首被保留下來，這些康塔塔是音樂史上最寶貴的資料，在這些作品中，將近十分之九為教堂康塔塔，十分之一為世俗康塔塔。康塔塔與清唱劇一樣沒有舞臺裝置和戲劇動作表演，有所不同的是康塔塔重視宣敘調和詠嘆調，規模要小于清唱劇，通常由一系列的宣敘調、詠嘆調、詠敘調、二重唱與合唱組成。

器樂體裁

巴洛克時期出現得器樂體裁有：托卡塔、前奏曲、幻想曲、賦格曲、變奏曲、組曲、小奏鳴曲、大協奏曲。其中，以托卡塔,賦格曲和協奏曲最為發達。

托卡塔(toccata)

托卡塔的名稱來源于意大利語“toccare”，含有觸摸之意，是一種較為自由的鍵盤音樂體裁，具有一定的對位和音階排列規則。在音樂中特指鍵盤樂器（管風琴、鋼琴）演奏時的一種觸鍵技巧，其特點是速度很快而且連續不斷，后來人們就把運用這種觸鍵技術且帶有即興演奏特征的樂曲稱為“托卡塔”。十六至十八世紀流行于意大利，十八世紀在德國有進一步發展，自由奔放的特點更為突出。托卡塔快速而節奏清晰，技巧性很高，有很多腳鍵的運用。《d小調托卡塔與賦格》是約翰·塞巴斯蒂安·巴赫青年時的作品，比較典型。

賦格曲(fugue)

一種結構嚴謹、節奏規范的復調音樂體裁，建立在模仿對位手法的基礎上，由16 ~ 17世紀的經文歌和器樂里切爾卡中演變而來，賦格曲作為一種獨立的曲式，直到18世紀在J.S.巴赫的音樂創作中才得到了充分的發展，巴赫曾著有《賦格的藝術》一書。賦格曲體現了音樂中理性的一面，音樂的和諧性取決于和聲的正確性，在賦格曲中，我們可以聽到對和聲，調式轉換的各種嘗試。

協奏曲(concerto)

巴洛克時期重要的音樂體裁，通常由三個樂章組成，即一個緩慢的樂章和兩個較快的樂章組成，共有有三種類型。安東尼奧·維瓦爾第的協奏曲《四季》非常著名。

(1)大協奏曲是器樂協奏曲的最早的一種編排形式，樂隊由兩部分組成，由兩把小提琴和通奏低音聲部組成的“主奏部”與整個弦樂隊加通奏低音為基礎，有時加上木管樂器，被稱為“合奏部”或“協奏部”的樂隊之間互相補充或抗衡。

(2)樂隊協奏曲是協奏曲發展中后期出現的一種編曲形式，它是沒有獨奏聲部、整個樂隊以復調形式演奏協奏曲。

(3)獨奏協奏曲是協奏曲發展到最后的一種形式，也是影響最深遠的一種音樂體裁。它是一件獨奏樂器和管弦樂隊的協奏，獨奏器樂部分具有更多的炫技成分，更具有表現力和個性張力，協奏樂隊部分主要服務于織體與氣氛營造。

代表人物

巴洛克音樂“三巨頭”是指意大利作曲家安東尼奧·維瓦爾第、德國作曲家約翰·塞巴斯蒂安·巴赫和英國作曲家格奧爾格·亨德爾，他們都是巴洛克時期的杰出代表，對西方音樂的發展產生了深遠的影響。

約翰·塞巴斯蒂安·巴赫

約翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach, 1685-1750）出生于德國圖林根州艾森納赫，巴洛克時代的作曲家，北德音樂家中最著名的成員之一，也是杰出的大鍵琴演奏家、管風琴家和管風琴制造專家。他以大提琴組曲以及D小調管風琴托卡塔和賦格而聞名，代表作品有巴赫第二勃蘭登堡協奏曲：F大調BWV1047總譜《馬太受難曲》和《哥德堡變奏曲》等，被后世尊稱為“西方音樂之父 ”。

他萃集意大利、法國和德國傳統音樂中的精華，曲盡其妙，珠聯璧合，對后來近三百年整個德國音樂文化乃至世界音樂文化產生了深遠的影響，他是將西歐不同民族的音樂風格融為一體的開山大師。約翰·塞巴斯蒂安·巴赫的復調藝術是對幾百年來中世紀復調音樂的一次偉大總結，特別是他的賦格藝術代表了巴洛克時期的復調音樂的最高成就。研究巴赫的權威——著名管風琴家施魏策爾認為：巴赫的音樂是一種像宇宙本身一樣不可思議的本體現象。

喬治·弗里德里希·亨德爾

喬治·弗里德里希·亨德爾（George Frideric Handel, 1685-1759）是一位德裔英國作曲家，曾創作過許多著名作品，如歌劇、奏鳴曲、清唱劇、詠嘆調、大協奏曲和管風琴協奏曲，他幫助歌劇走向輝煌，并帶來了一種新的英國教堂音樂風格。亨德爾因創作英國清唱劇而受到贊譽，其中最著名的是《彌賽亞》，他還擅長歌劇，并經常演奏意大利風格的康塔塔，他的音樂風格充滿了戲劇性和熱情。

亨德爾在近60年的音樂生涯中給人類留下了豐富的音樂遺產，數量大、品種多，甚至在德、英、意三國乃至全歐洲都獲得了巨大的聲譽：他的作品熔德國嚴謹的對位法、意大利的獨唱藝術和英國的合唱傳統于一爐，成為世界音樂史上的瑰寶。格奧爾格·亨德爾的他的清唱劇《彌賽亞》是部偉大的作品，哈利路亞大合唱就出于此清唱劇中，他與約翰·塞巴斯蒂安·巴赫共同創作的《勃蘭登堡協奏曲》一起被認為是巴洛克音樂的巔峰。

安東尼奧·維瓦爾第

維瓦爾第（Antonio Vivaldi, 1678-1741）也是巴洛克時代的先驅作曲家之一，威尼斯共和國樂派先驅者之一，被后世賦予“古協奏曲之父”的美譽，其生年在歐洲具有極大影響力，他是管弦樂、小提琴技術和程序音樂開創性發展的幕后代言人。

他一生中創作了 500 多首協奏曲、46首小交響曲和73首奏鳴曲，他的作品涵蓋了交響樂、協奏曲、室內樂、歌劇等多個領域，其中最為著名的是《四季》和《奧菲歐與尤里狄刻》。他以精通小提琴而聞名，他的音樂作品反映了他的器樂精湛技藝，其中最著名的是小提琴協奏曲《四季》。安東尼奧·維瓦爾第的音樂風格充滿了激情和浪漫主義色彩，對后來的音樂發展產生了重要的影響。

代表作品

《勃蘭登堡協奏曲》

《勃蘭登堡協奏曲》（Brandenburg Concertos）由約翰·塞巴斯蒂安·巴赫創作于1711到1720年間的作品，并于1721年獻給勃蘭登堡侯爵和普魯士國王弗雷德里克一世的弟弟克里斯蒂安·路德維希。這組協奏曲一共有6首樂曲，其中第1、2、4、5首屬于大協奏曲，第3、6首屬于樂隊協奏曲，它們被認為是各種獨奏家團體和小型管弦樂隊之間平衡的杰作之作。這六首協奏曲的風格迥異，不僅樂器組合此不同，而且協奏方式也各異。比如第一首協奏曲用一把小提琴、三把雙簧管、一個巴松管和兩個圓號進行演奏。而第二協奏曲則是高小號、豎笛（或長笛）、雙簧管和小提琴的獨奏

《彌賽亞》

《彌賽亞》（Messiah）是格奧爾格·亨德爾創作的清唱劇，于1742年在都柏林（Dublin）進行首演，它是由合唱團、獨奏家和管弦樂隊組成的大型半戲劇作品，是迄今為止所有清唱劇中表演最頻繁的。《彌賽亞》中出現大量經文，它們取自《圣經》《審判日》和《啟示錄羊皮書》。它的詠嘆調豐富且獨創，旋律常運用拖腔以加強情感的抒發；合唱簡樸深厚，復調與主調織體交替出現，和聲堅實有力。

《四季》

《四季》（Le quattro stagioni）是安東尼奧·維瓦爾第于1720年創作的小提琴協奏曲，在1725年于阿姆斯特丹出版。《四季》是維瓦爾第最著名的作品，其中包括四首樂曲，每一首都通過小提琴為四個季節進行了音樂表達，并且在每首協奏曲前都加了一首解釋音樂的十四行詩，這是最早具有敘事元素的音樂。《四季》屬于標題音樂，所以從形式上看較其他協奏曲顯得自由而且不平衡，但這樣反而更能表現巴洛克音樂的特色及魅力。維瓦爾第將每首協奏曲分為三個樂章，快-慢-快，同樣，每首相連的十四行詩也被分為三個部分。

價值影響

藝術價值

巴洛克音樂是音樂史上從傳統音樂到近代音樂的過渡時期，蘊含了多種音樂風格，有著多重變化。巴洛克時期音樂創作具有豐富多樣的體裁和形式，大量新的音樂體裁、器樂體現形式不斷涌現，在音樂創作形態上的創造性，體現出巴洛克音樂創作所具備的藝術價值。音樂由原來完全受教會保護和支配的狀態逐漸變成既受教會保護，又受君主和貴族保護的狀態。巴洛克時期的科學技術和意識領域的發展為十二平均律、拉莫的調性體系等奠定了基礎。同時，巴洛克音樂創作在形態特征上的藝術價值還體現在清唱劇等音樂創作體裁的出現和樂隊協奏曲這一體裁的出現，樂隊協奏曲代表作是朱塞佩·托雷利的六首樂隊協奏曲，這六首樂隊協奏曲全部采用了“快一慢一決”的結構形式。歐洲音樂從此開始從復調音樂向主調音樂發展，構建出了較為系統的調性音樂體系。其次，在這一時期，更重視音樂情感和思想的表達，在風格、語言、結構、形式上也有了很大的變化，人們對音樂的概念越發清晰，音樂逐漸走向了大眾。

美學影響

巴洛克時期的音樂創作不僅注重文藝價值，同時也強調美學價值的體現。基于該時期的人性解放思想不斷發展，音樂家開始將人文性內容融入音樂創作中，形成了簡潔的伴奏織體、流暢的旋律聲部以及抒情式演唱風格等鮮明音樂元素，這些元素能夠給廣大聽眾帶來獨特的音樂聽覺享受，最大程度地滿足不同層次聽眾的需求，展現出音樂藝術的無窮魅力。

巴洛克音樂創作思想特征的美學價值則要站在歷史發展的視角對其進行研究分析。巴洛克音樂創作思想特征是在繼承和發展文藝復興時期人本主義音樂的基礎上發展起來，但巴洛克音樂創作中理性主義的思想情感的表達已占了一定的比例，就如巴洛克后期情感論音樂美學思想的代表馬泰松所說：“如果音樂家想打動別人，他必須懂得純粹用音響及其組合，不借助文字而表達出一些心底的意向，表達得讓聽眾聽起來，宛如那是一篇真正的演說，能夠完全理解和領悟其意欲、意念、意思以及每段、每句的語勢。”這就說明，巴洛克音樂創作中理性主義已貫穿始終，在理性主義的影響下，音樂創作所表達的思想情感更為貼切、確切。

傳承與保護

巴洛克樂團

Music of the Baroque樂團

Music of the Baroque是芝加哥的巴洛克音樂專業合唱團和管弦樂隊，致力于十八世紀作品表演，是頂級古典團體之一，因其演奏過約翰·塞巴斯蒂安·巴赫、格奧爾格·亨德爾、沃爾夫岡·莫扎特和弗朗茨·海頓的主要合唱和管弦樂作品而受到特別贊譽。《芝加哥太陽報》評論道：“芝加哥抒情歌劇院和芝加哥交響樂團可能是當地古典音樂界的大人物，但就純粹的表演質量而言......巴洛克音樂與他們處于同一個平流層。”

Music of the baroque定期在芝加哥市中心千禧公園的哈里斯劇院、斯科基的北岸表演藝術中心、郊區教堂以及奧斯汀的Kehrein藝術中心等社區場所演出。他們有著多元化、公平和包容性計劃項目“MOB IN THE COMMUNITY（社區中的暴民），雇用來自樂團具有代表性的年輕專業人士，以及與音樂學院優異的學生開展年度合作，會在奧斯汀的Kehrein藝術中心等場所提供免費的鄰里音樂會。Music of the Baroque還通過“強聲”計劃，對巴洛克音樂開展藝術教育，以支持和加強芝加哥公立高中的音樂教育。在巴洛克YouTube頻道提供一系列視頻，介紹Music of the baroque的舞臺和社區工作，該頻道包括“本月音樂會”，觀眾可每月免費在線欣賞一場巴洛克音樂會。并且全國各地的聽眾也可以通過98.7WFMT電臺的廣播和錄音欣賞巴洛克音樂的作品。Music of the Baroque旨在傳承巴洛克音樂，擴大其知名度與影響力。

上海恰空樂團

上海恰空樂團是國內首個以巴洛克古樂器與復古演奏方式建立的本真古樂團，承襲西方在1960年代興起的“古樂運動”的精神，由來自不同國家和地區、在歐美專門研習西方古樂表演的音樂家組成。樂團聚焦西方音樂史上的巴洛克時期，致力于以最接近本源又不失靈活的方式呈現西方早期音樂的原貌——樂團使用古代樂器或者復制樂器，遵循傳統的演奏法，再現從蒙特威爾第到約翰·塞巴斯蒂安·巴赫之間燦爛的音樂文化，并賦予其新生命。自創立以來，恰空樂團在中國舉行過多場重要演出，包括上海之春國際音樂節、大衛·斯特恩在上交巴洛克音樂節的合作等。在2019年，恰空樂團推出第一張專輯《蒙特威爾第在上海》。

拜羅伊特巴洛克歌劇節

拜羅伊特巴洛克歌劇節（Bayreuth Baroque 歌劇 Festival）是男高音歌唱家馬克斯·伊曼紐爾·森契奇（Max Emanuel Cen?i?）于2020年創辦，位于瑪格拉維亞歌劇院。瑪格拉維亞歌劇院是巴洛克式劇院，可容納約500人，它的歷史可追溯到18世紀，因為保留了原始形式和建筑材料，在2012年被聯合國教科文組織列為世界遺產。拜羅伊特巴洛克歌劇節為觀眾和藝術家提供一流的巴洛克藝術體驗，讓他們沉浸在巴洛克時期的音樂和文化中，展現巴洛克歌劇的瑰寶，并且表演將通過電視、廣播等各種平臺在全球范圍內播出。

凡爾賽巴洛克音樂中心

凡爾賽巴洛克音樂中心（CMBV）由Vincent Berthier de Lioncourt和Philippe Beaussant于1987年建立，旨在復興法國巴洛克音樂，使其宏偉、真實的形式和風格重新展現在觀眾眼前。CMBV匯集17世紀到18世紀的法國音樂遺產，并涉及研究、出版、指導和舞臺表演等方面。從該年10月開始，Mardis Musicaux音樂會在皇家禮拜堂舉行，演奏聲樂和器樂室內樂。1989年，成立了法國巴洛克音樂研討會和圣歌合唱學校，講授法國傳統音樂、樂理，通過講座、出版、聯合項目等形式傳播知識，為大學生提供科學指導。1992年，CMBV建立了一個圖書館用于保存研究與滿足教學要求，并出版記錄有關巴洛克音樂作曲家的書籍。凡爾賽巴洛克音樂中心一直致力于巴洛克音樂的傳承與保護，創作新的歌劇作品并將巴洛克音樂帶到世界各地，比如在巴黎歌劇院上演《Hypermnestre》，在匈牙利表演《印度加蘭特斯》，在法國德斯圖斯表演《伊塞》等。同時與IReMus、巴黎四世和羅亞蒙基金會共同組織了一次題為“巴洛克時代法國音樂的懺悔”的會議，為科學家提供了研究17、18世紀法國音樂的參考。

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