電子音樂（electronic music）指一切用電子手段產生的音響制作而成的音樂。電子音樂包含各式各樣以及范圍從實驗藝術音樂到流行形式如電子舞曲。誕生于20世紀40年代，在先鋒派音樂中，它最能體現現代科技發展對音樂藝術的影響。純粹的電子音樂不需要演奏者，音樂作品在電子音樂試驗室制作完成，音源來自新的錄音技術或能制造新音色的機器。
電子音樂主要分錄音帶音樂、合成器音樂和計算機音樂三類。電子音樂一度幾乎完全與西方，特別是歐洲的藝術音樂連結，從1960年代晚期以后，因為摩爾定律造就了可負擔得起的音樂科技，意味著使用電子方式制作的音樂，在各國不同區域和領域普及與發展起來。錄音帶音樂是將自然界或日常生活的具體音響錄下來，通過循環、變速、反轉、分切、拼接等手段加以變形處理形成作品。20世紀50年代后歐美各國建立了多個電子音樂試驗室，作曲家開始用電子設備本身發出的音響創作音樂，導致了電子合成器的出現。20世紀60年代便攜式合成器出現，20世紀80年代初MIDI使電子合成器音樂與電腦結合，讓更多的人可以創作電子音樂。計算機音樂是指由計算機程序生產、創作或演奏的音樂。一個簡單的程序指令就可以改變同一首作品形成新的版本。
自從人類進入移動互聯時代，許多音樂工作者、愛好者們通過互聯網交流作曲技術經驗，更有數不清的音樂發燒友把自己制作的MIDI音樂或音色庫上傳到互聯網上共享。越來越多的計算機音樂設備加入計算機外設家族中來，更多計算機公司投入到計算機音樂設備的研發中來。與此同時，多媒體音頻技術也在隨著計算機音樂設備的更新而不斷創新、迭代。科學技術與音樂藝術的相互促進、互相融合，發展前景較為廣闊。
歷史沿革
電子音樂的起源可以追溯到19世紀晚期到20世紀早期，記錄聲音的能力常被連結到電子音樂的產生，但不是絕對必要。最早的聲音記錄裝置是1857年由法國人愛德華-里昂·史考特·迪馬丁維爾注冊專利的記錄儀（phonautograph）。它外表上可以記錄聲音，但是無法回放。 20世紀40年代末電子音樂進入系統化發展階段，縱觀其歷史，可大致分為三個發展階段：
第一階段：40年代末
從歐洲開始的電聲音樂和具體音樂階段這是電子音樂的開創階段，法國和德國幾乎是同時邁出第一步，巴黎和科隆是當時研究電子音樂的兩個中心。法國的電子音樂開創者是皮爾·謝菲爾，他當時是受雇于法國國家電臺的無線電工程師，最初熱衷于創作具體音樂。這種音樂就是把自然界或日常生活中的具體音響錄下來，加以變化和處理，制作成磁帶作品。謝菲爾創作的第一首具體音樂作品《火車練習曲》，是把車輪滾動、噴汽、汽笛等聲音進行拼接、錄制而成。具體音樂的這種制作方法為后來的錄音帶音樂打下了基礎。
1951年，科隆西德廣播電臺在菲伯特·艾默特的指導下建立了世界上第一個電子音樂工作室，拉開了創作電子音樂的序幕。德國的電子音樂家從一開始就采用了與法國電子音樂作曲家不同的方法。他們不像法國那樣注重情趣和氣氛，而更關心科學實驗的性質。他們也利用盒式錄音磁帶制作電子音樂作品，但與具體音樂不同的是，他們不采用自然界和日常生活中的音響，而是采用電子設備本身發出的音響(最初是由振蕩器產生的沒有泛音的單正弦音)作為原材料。艾默特畢業于科隆音樂學院作曲系，是德國電子音樂的開創者。他信奉十二音體系，認為序列技術的進一步發展只能在電子音樂中才能實現。他創作了早期的電子音樂作品，但影響不如他的助手——后來成為德國電子音樂代表人物的施托克豪森。
1928年生于科隆近郊的施托克豪森也畢業于科隆音樂學院，曾于1952年赴巴黎師從奧利維?！っ肺靼?/a>學習現代音樂，并在謝菲爾剛剛建立的具體音樂工作室學習，1953年回科隆，到艾默特的電子音樂工作室當助手。他既得謝菲爾的指點，又得艾默特的真傳，因此能融匯法、德兩國所長，最初的作品《電子音樂練習曲》I和Ⅱ(1953—54)被譽為“更具理智的德國電子音樂的里程碑”。他最重要的電子音樂作品是《青年之歌》(1955—1956)。這部作品對電子音樂的發展產生了巨大影響，被稱為電子音樂的一個重要里程碑。在這個作品中，他將復雜的電子音響與演唱圣經歌詞的童聲結合在一起，從而首次突破了在錄音作品中用純電子合成音響素材或自然音響素材的限制，使法國的具體音樂與德國的電子音樂聯姻，取得了美滿的結合。這部作品的重要意義還在于：把人聲作為待加工的音響材料來使用，演出中使用了聲音的方向性，即在聽眾周圍安置了五個揚聲器，讓聲音從一個揚聲器移到另一個揚聲器，而造成聲音在空間的流動感，使聽眾置身于流動的音響包圍之中，從而第一次把“空間音樂”的概念引進了電子音樂。這兩個特點在后來的電子音樂作曲中成了重要的、經常使用的手法。由于施托克豪森的杰出貢獻，使他贏得了“20世紀最重要的電子音樂作曲家”“當代世界音樂生活中具有巨大影響的人物”、“最現代的現代音樂的代表人物”等桂冠。
這個階段重要的電子音樂作曲家及作品還有：法國作曲家瓦列茲1954年在巴黎電子音樂工作室創作的《荒漠》和1958年為布魯塞爾舉行的世界博覽會菲利普館而作的《電子音詩》，以及美國作曲家約翰·凱奇1958年旅居意大利時以其女房東的名字為名創作的《芳坦娜混合曲》。這首作品由一系列噪音所組成，既是電子音樂中離開傳統最遠的一個例子，也是一首令人難以接受的偶然音樂作品。這個時期由于實驗設備還比較簡陋，作曲家受到極大的技術限制，還未能充分體現出電子技術在音樂領域中廣闊的應用前景，因此沒有引起大多數人對電子音樂的足夠重視。但那些新奇的作品卻顯示了電子音樂作曲手段有著廣闊的潛力。
第二階段：電子合成器音樂階段
20世紀初，隨著電子技術和電子元件的發展，人們創造了許多各具特色的電子樂器，其中使用最廣泛的是電子風琴（簡稱電子琴）。但對電子音樂的發展影響最大的卻是電子音響合成器（簡稱電子合成器或合成器）。
早在1928年，法國就有一位作曲家兼電氣工程師默里斯·瑪719爾托諾夫大膽地把無線電技術與音樂創作聯系起來，設想讓某種無線電設備來作曲，后來終于發明了名為“溫德·瑪爾托諾”的電子樂器，這便是電子合成器的前身。這種電子樂器用琴鍵來變化音程，用真空管振蕩器制造音響。演奏時，左手控制音量，右手彈奏旋律，并能彈奏出顫音、滑音等效果，不僅音域寬廣(有七組音)，表現力也很豐富，但音色卻很特殊，根本不像傳統樂器，終因當時不受歡迎而被淘汰。到了1950年，美國著名聲學家奧爾遜在“溫德·瑪爾托諾”電子樂器的基礎上又進行深入研究，才制成了世界上第一臺電子合成器。
對于電子合成器的研制，美國一直走在最前面。1955年，美國無線電廣播公司制造了著名的RCA(即該公司的縮寫)電子合成器，1959年又由哥倫比亞大學實驗室的貝勒和奧爾遜改進為RCAMarkⅡ電子合成器，并把它贈送給哥倫比亞一普林斯頓大學電子音樂中心。美國著名作曲家巴特在60年代用這部合成器對音高、節奏、力度、音色各方面的整體序列進行了充分的試驗，創作了許多電子音樂作品，其中有專為合成器寫的《合成器作品》(1961)、《合成器合奏}(1962—1964)、以及為合成器與聲樂、器樂合演的其他作品。這些作品擴大了新的音響和創作手法的可能性，豐富了音樂創作。這個時期的合成器與舊的合成器相比有很大改進，但由于價格昂貴，體態笨重，操作技術復雜，因此沒得到廣泛的使用。直到1964年美國的穆格博士發明的電平控制合成器問世后，合成器才有了廣泛的實際使用價值。穆格的電平控制合成器是一個小型的制作電子音樂的完備系統。它包括產生聲音(振蕩器、噪音發生器)、處理聲音(擴音器、混頻器、濾波器、反響器、環形調制器等)以及控制源(包括發生器、音序器、鍵盤等)三個部分。它取代了原來滿屋子的器材和密密麻麻的插線，大大簡化了電子音樂的創作過程，擴大了聲音的范圍和性能，作曲家從此再也不必在電子音樂工作室里長時間地進行枯燥的磁帶剪輯了。然而在設備簡陋的50年代，電子音樂作品的創作是一件效率低而費勞力的工作，一部由數百個事先分別錄制的音響組成幾分鐘的作品，就得花費數周時間才能最后組錄在磁帶上。當年施托克豪森那部13分鐘長的《青年之歌》，就花了整整18個月才制作出來。
繼穆格之后，法國的讓·雅爾在電子合成器的研制和電子音樂的創作上也取得十分卓越的成就。1948年8月24日，雅爾出生在里昂的一個音樂家庭里。他5歲學習鋼琴，中學期間同時在巴黎音樂學院學習理論，曾獲文學學士，后來進法國廣播電視公司音樂研究小組工作，這里有一臺歐洲最早的電子合成器，從此，雅爾就同合成器結下了不解之緣。3年后他離開這個小組，自己在家里進行合成器研制和演奏。他采用穆格博士的理論，對原有的合成器進行了許多改進，終于造出了現代化的合成器。這套合成器由40臺小型合成器和十幾個鍵盤組成，重約3噸，價值80萬美元。演奏時，還要3人為他伴奏，6人為他操縱整個合成器的技術部分，真可謂是世界上結構最復雜的超大型電子合成器。1976—1978年，讓·雅爾用他的這套合成器創作了兩首大型電子樂曲《氧氣》和《潮汐》。其中《氧氣》把人們帶進了宇宙飛船在銀河系航行的科幻世界，令人驚奇贊嘆，雅爾也因此而獲得了法國著名音樂家夏爾·科洛斯所設的科學大獎，并于1987年被美國人民雜志評選為世界五大名人之一。特別是在1979年7月14日巴士底日之夜，雅爾應邀用他的超大型電子合成器在巴黎的協和廣場(相當于北京天安門廣場)舉行了規?？涨暗碾娮右魳窌?。他那獨特的演奏，奇妙的音響和廣場上無比絢麗的色彩，使整個巴黎為之轟動。這場音樂會由法國電視臺通過國際通訊衛星向西歐12個國家和日本實況轉播，使現場聽眾和電視觀眾達到2億5千萬人。通過這場世界最大的音樂會，電子合成器和讓·雅爾的名字便風靡世界，雅爾成了世界公認的現代電子合成器的杰出專家。1981年10月21日，雅爾還帶著他的電子合成器來到我國，在首都體育館寬敞的比賽大廳里，演奏了三首有聲有色的電子音樂作品《氧氣》、《潮汐》和《磁場》，使我國聽眾的耳目為之一新。同時，也譜寫了一曲中法兩國人民友誼的新樂章。
除了法國的雅爾，在東方的電子大國13本也出了一位蜚聲世界的電子合成器音樂大師——喜多郎。比起歐洲的電子音樂大師們，喜多郎要算晚輩，但在13本音樂界，他卻是電子音樂的開路人之一。生于1952年的喜多郎，在高中時曾組建過搖滾樂隊，1972年來到歐洲，向原西德的電子音樂大師克斯·舒爾茨學習合成器音樂，3年后開始電子音樂的創作。作為東方人，喜多郎酷愛東方傳統文化，他曾多次游歷恒河流域、絲綢古道和中亞地區。由于這種對古老東方文明的鐘愛，他的許多作品都帶著東方的安靜、祥和、神秘的色彩。1982年，日本NHK公司拍攝《絲綢之路》，邀請喜多郎為該片配樂，由此喜多郎便進人了創作高峰期。他的合成器音樂代表作有《絲綢之路》、《敦煌》、《天界》、《大地》、《諾亞方舟》、《天空》、《心靈之光》等。在美國這個挑剔的音樂市場上，喜多郎先后出版了20多種電子合成器音樂唱片，發行量共達一百多萬張。在我國，喜多郎的合成器音樂也十分流行。
隨著大規模集成電路的廣泛使用，電子合成器的功能更加完備，特別是將電子計算機技術應用到合成器后，使用起來更加得心應手。電子音樂的作曲家們可以從早期的技術困境中跳出來，用更多的心思去考慮音樂本身。在這個階段，電子音樂開始得到越來越多的人喜愛。
第三階段：電子計算機音樂階段
電子計算機音樂發展異常迅速、并引起人們廣泛關注的領域。對計算機音樂的研究開始于40年代末。在美國，一位名叫邁林斯的科學家，對計算機是否也能在音樂藝術領域中施展威力的問題極感興趣，并首先開始了這種實驗。他在計算機上運用數字形式構成各種波型，產生不同的音響，進而形成一首樂曲。盡管這些樂曲并不動聽，但卻為計算機創作音樂邁進了可喜的第一步。美國音樂家泰伊則另辟蹊徑，運用計算機對古典音樂大師的音樂風格進行分析，對旋律、調式、和聲、曲式、配器等手法進行統計，制成精確的表格，形成了與傳統的音樂作品分析大相徑庭的新的分析方法，從而開辟了運用計算機進行音樂理論研究的新途徑。
利用計算機進行音樂創作是電子音樂作曲家們多年來潛心研究的一個主要課題。它主要體現在兩個方面：一是用計算機輔助作曲，即用計算機控制各種音響設備，如合成器、發聲系統等，使之有產生和改變各種音響的功能并具備生成和處理音高、節奏、和聲、配器的手段，為作曲家的創作提供方便，二是用計算機自動作曲，即作曲家通過編程序使計算機能根據某些作曲規劃和技巧自動作曲。所謂編程序，就是將準備創作的音樂作品按不同因素，如速度、旋律進行、和聲風格、曲式結構等編成特定語言輸入計算機。例如，我們可設計以下程序：令計算機只用自鍵，在兩個八度的范圍內制造一連串旋律，這些旋律的開頭和結束都必須是C音，七度音程不得使用，并且每個旋律都不可多于32個音符。將這些程序輸入計算機后，計算機很快就找出許多旋律，它們的音是任意選定的，但全部符合程序的規定。這便是計算機自動作曲。早在50年代中期，美國伊利諾伊大學厄巴納-香檳分校作曲家兼數學家希勒和艾薩克森領導的小組就進行了這方面的嘗試。他們最早的計算機音樂作品是四重奏《伊利亞克組曲》，此曲在音樂上并不成功。后來他們與貝克合作，在更新型的計算機上作出了《計算機唱劇》，獲得成功。這些作品推動了計算機音樂創作的進一步發展，到六七十年代，計算機作曲在美國已相當普遍。計算機技術的迅猛發展，亦為計算機音樂的發展創造了更理想的條件，作曲家們也在不斷探索計算機音樂的新天地。
現代計算機技術發展日新月異，時刻會有新的技術、新的軟件被發布、軟件升級的速度也越來越快。隨著計算機技術、信息技術的快速發展，電子音樂制作方法不斷“計算機化”“互動化”“多媒體化”“實時化”，以及不斷新出現的技術理念，新一代的音樂制作人正在探索中崛起，一個更為廣闊的電子音樂“平臺”和更加豐富的電子音樂“界面”正在成型。
藝術特點
音域寬闊
音域寬闊電子樂器具有很寬的頻譜，可以將人聽覺的全部音域覆蓋，并可根據不同檔級的要求，設計具有各種音域的電子樂器。
自動演奏和自動和弦
自動演奏和自動和弦功能電子合成器將電聲裝置與電子計算機聯用，使電子樂器的自動化水平不斷提高。在一些電子樂器中，一般備有自動打擊樂演奏器，可以按照預先編定的程序，自動地打出十幾種節奏。另外，還有琶音、和弦伴奏等都能進行自動演奏。
演奏方式靈活多樣
演奏方式靈活多樣電子樂器通過變換開關，可以進行吹、拉、彈、撥、打擊等多種演奏方式的變換。
音色優美
音色優美、獨具風格電子樂器是將現代電子技術與音樂藝術結合的產物。它的效果與性能完全取決于電子技術手段。通過各種濾波器變化音色，使用頻率合成技術、音型變換技術和電子音響潤色手段，使電子樂器的音色，超過了常規樂器。
音響豐富
音響豐富且動態范圍大電子樂器可以模擬各種管樂、弦樂、打擊樂等常規樂器的音響，還可以模仿自然界中的一些聲音，如男聲、女聲、鳥叫、風雨聲、槍炮聲、水泡音、蛙鳴音等等?，F代電子樂器還可以發出大自然中沒有的、幻想中存在的奇特音響，如火箭升天、飛碟旋繞、太空遨游、仙境鬼域之類的特殊音響，可以極大地豐富人的藝術享受和高度想象力。電子樂器的音響是由放大器來實現的，其音量功率輸出可以從十幾毫瓦到幾十瓦，甚至上百瓦。可以在大型劇場、舞廳里無須擴音單獨演奏，這是任何常規樂器無法比擬的。由于電子琴有足夠的功率儲備及動態范圍，可以描繪細膩入微的輕聲效果，又能同時發出氣勢雄壯的音響，瞬態響應好，各種音響的大小比例可隨意調整，因此具有極大的自由度。
電子音樂分類
錄音帶音樂
利用錄音帶操作技術制作而成的電子音樂作品統稱“錄音帶音樂”，它分為具體音樂和電子音樂兩類。后者專指德國科隆電臺電子音樂實驗室所創作的錄音帶音樂，它以振蕩器等電子設備本身發出的聲音作為聲音素材。因此，德國的電子音樂從一開始就帶有較濃的科學實驗性質。科隆實驗室的建立者艾默特認為序列音樂技術的進一步發展只能在電子音樂中實現。他的思想對施托克豪森的影響很大，后者不但很快成為德國電子音樂的代表人物，而且還是德國在20世紀50年代之后影響最大的作曲家。施托克豪森最重要的電子音樂作品《青年之歌》為童聲和電子音響而作，并于1958年在科隆舉行的國際音樂學家大會上演出。作曲家認為，由于他的聽眾熟悉歌詞，因此，他可以隨意調整詞、句、音節，甚至元音和輔音，而把歌詞只當作純粹的音響材料。他錄下了一個12歲男孩唱、說歌詞的聲音，然后通過電子手段分解、變形、拼接、重疊，形成合唱聲、一群人的喊叫聲、卡農式的說話聲或歌唱聲、音塊等各種效果。這些聲音同電子音響互相作用，結合在一起。這里，所有音響單位的快慢、長短、強弱、疏密、繁簡、音高和音色變化的大小等，都是精確計算、高度組織化了的。此外，他的電子音樂作品還有《練習曲I》(1953)和《練習曲U》（1954)。
合成器音樂
合成器音樂1964年電平控制合成器問世，電平控制合成器是一個小型制作電子音樂的獨立完備的系統，包括音源、聲音處理器和控制器三部分。合成器音樂顯示出廣泛的實用價值。它的出現大大簡化了電子音樂的制作過程，擴大了聲音的范圍和性能，還可以現場表演，進行即興作曲。武奧里寧是20世紀五六十年代活躍的電子音樂家，他運用合成器創作了《時代的贊頌》和《樂隊音樂與電子音樂的交流》。美國作的蘇博尼克用布克拉合成器創作的《月亮上的銀蘋果》也是合成器音樂的重要代表作。
計算機音樂
計算機音樂，是指不僅利用計算機作曲而且其音響材料也出自計算機的電子音樂作品。隨著計算機的家庭普及率越來越高，采用計算機進行創作的人也越來越多。利用計算機的模擬一數字轉換功能，作曲家可以對各種聲音進行復雜處理，對各種參數進行更為嚴密的控制，并儲存大量材料及數據，并通過各種程序，實現作曲家對聲音構成的一切想象。所以，計算機比合成器在便利性和實用性方面更勝一籌，有著巨大的創作可能性。
藝術流派
電子音樂流派眾多，其中有：合成器流行（Synth-Pop）、迪斯科（Disco）、高科技舞曲（Techno）、浩室音樂（House）、Drum&Bass、Dubstep，嘻哈音樂等。
合成器流行（Synth-Pop）
合成器流行（SynthPop），也被稱為電氣流行或科技流行，即以合成器為主要樂器的流行音樂。在當今流行音樂中，合成器的使用已成為司空見慣的事，合成器流行樂也成為主流音樂之一。20世紀70年代末，在音樂里加入合成器音效被當作一種時髦做法。作為新浪潮音樂的分支派系，那時候合成器流行逐漸發展旺盛，并在1980年代達到旺盛，并在1980年代達到巔峰。合成器流行歌曲有的時尚，有的夢幻，有的空靈，但都有一種撩人而無法抗拒之感。
與編曲簡單、意蘊悠長的民俗音樂不同，合成器流行更注重音樂的科技感。合成器既可以模擬現存的所有聲音，如樂器、人聲、自然聲音等，也可以生成新的電子音色。例如大波浪樂隊演唱NoSuchDisease，前奏的聲音與《西游記》里孫悟空的出場音樂神似，用電子音色給人帶來很強的聽覺沖擊。
迪斯科（Disco）
“迪斯科”是英文單詞“Disco”的音譯，也是法文單詞“Discotheque”的縮寫，其原意是指收藏唱片的圖書館。大約在20世紀40年代初的納粹占據時期，這個詞被法國人用以比喻巴黎的夜總會。畢竟，那里的確也收藏并播放著大量的唱片（主要以爵士樂為主）。逐漸，英美世界也接納了這一稱謂。
迪斯科是20世紀70年代初興起的一種流行舞曲，與藝術搖滾相比，音樂比較簡單，具有強勁的節拍和強烈的動感，它一般以4/4拍為主，并且每一拍都很突出，它的速度大約每分鐘120拍，它結構短小，歌詞簡單，又很多段落的重復。其實，所有的曲子，只要調整一下速度，改成每一拍都很突出的節拍，都可以變成迪斯科舞曲。
高科技舞曲（Techno）
Technology，即表示“高科技舞曲”。這種音樂常常是利用電腦合成器合成，做出一些特殊音效，再由許多音效組合起來的。Techno的節拍是4/4拍，但速度較House快且聽起來具有重復性，較強硬、較機械化，所以某些人稱Techno為“工業噪音”，但某些Techno音樂還是會注重旋律的。
Techno起源于美國底特律。三名DJ：Derrick May、Kevin Saunderson、Juan Atkins嘗試將電子樂與黑人音樂結合，而產生的Detroit Techno、Detroit Techno通常較平緩，不像一般的Techno那樣強勁，這可以說是現代Techno的起源。
浩室（House）
浩室要求動作輕盈，瀟灑，與音樂結為一體。隨著浩室音樂，運用復雜而神奇的步伐表現的一種舞步，它可以加上拉丁舞的扭腰、武術的空翻、踢踏舞的基本步以及芭蕾的轉圈，跳起來既可以十分優雅，也可以相當狂野。浩室舞的特色在于運用了很多輕盈的舞步，每一拍都有腳步變化，其較少規定手部的動作，是一種較為另類的舞風。浩室是NewSchool舞蹈的一部分。浩室更強調腳步，音樂控制舞者的身體，女孩跳起來極具美感。
新世紀音樂(New Age Music)
新世紀音樂新世紀音樂(New Age Music）又譯作新紀元音樂，是在20世紀70年代出現的一種音樂形式，最早是用于幫助寞思及潔凈心靈而創作的。這種類型不同于以前的任何一種音樂，人們把這種非流行、非古典、具有實驗性質的樂風取名為NewAge，它指的是一種“劃時代、新世紀的音樂”。NewAge不只是一個單純界定樂風區別的名詞，還象征著時代的演變、精神內涵改良的世紀新風貌。在20世紀80年代中期，新世紀音樂已經逐漸成熟，音樂雜志開始設立新世紀榜單。1986年第29屆格萊美獎的獎項中，也增設了“年度最佳新世紀唱片”獎，第一個獲得這個獎項的是演奏豎琴的奧地利籍音樂家佛倫懷德。這是NewAge首度明確地成為音樂類別之一的標志。其代表人物有：恩雅、雅尼、莎拉·布萊曼、英格瑪、神秘園、班德瑞、喜多郎、久石讓等。
主要樂器
電子樂器具有很寬的頻譜，可以將人聽覺的全部音域覆蓋。并可根據不同檔級的要求，設計具有各種音域的電子樂器。通過變換開關，可以進行吹、拉、彈、撥、打擊等多種演奏方式的變換。一臺高級電子琴，具有十幾種演奏功能，可以奏出小型管弦樂隊的效果。音響是由放大器來實現的，其音量功率輸出可以從十幾毫瓦到幾十瓦，甚至上百瓦。可以在大型劇場、舞廳里無需擴音單獨演奏，這是任何常規樂器無法比擬的。由于電子琴有足夠的功率儲備及動態范圍，可以描繪細膩入微的輕聲效果，又能同時發出氣勢雄壯的音響。各種音響的大小比例可隨意調整，因此具有極大的自由度。另外電子樂器還可以模擬各種管樂、弦樂、打擊樂等常規樂器的音響，還可以模仿自然界中的一些聲音，如男聲、女聲、鳥叫、風雨聲、滄炮聲、水泡音、蛙鳴音等等。現代電子樂器還可以發出大自然中沒有的、幻想中存在的奇特音響，如火箭升天、飛碟旋繞、大空遨游、仙境鬼域之類的特殊音響?？梢詷O大地豐富人的藝術享受和高度想象力。應用現代電子技術，使電子樂器的自動化水平不斷提高。在較高級電子琴中，一般備有自動打擊樂演奏器，市以按照預先編定的程序，自動地打出十幾種節奏。在一些高級電子琴中，還裝置了自動琶音及自動和弦伴奏裝置。電子合成器將電聲裝置與電子計算機聯用，具有更高的自動演奏功能。
按照電路結構的復雜程度，電子樂器又可分成玩具琴、簡易型、普及型、中檔型，高級型等各類。玩具琴是為少年兒童設計的，成本低廉，造型美觀新穎，適于兒童心理。簡易琴一般具有一、二種音色，鍵盤有2—3.5組，適于小學校及幼兒園使用。普及琴通常有三種或略多的音色及演奏功能，主要使用對象是中學校、業余文藝團體及廣大音樂愛好者，普及面較大。中檔琴線路較復雜，主要是為專業部門配備的，適于文藝演出、舞會伴奏等。高級琴功能繁多，音色十分豐富，音響指標高， 可做為專用的音樂設備。
代表人物
斯托克豪森（KarlheinzStockhausen）
說起電子音樂，影響最大的作品是德國作曲家斯托克豪森（KarlheinzStockhausen，1928年—2007年）為童聲女高音、電子音響與現場演出而作的作品《青年之歌》（1956年），他錄下一個12歲小男孩的聲音，采用具體音樂的手法形成合唱、喊叫、人群的聲音等各種效果，同電子音響結合，運用揚聲器的空間效果來完成作品。在這里歌唱中的歌詞已不重要，反而注重的是語音的成分，這也是先鋒派音樂的顯著特征之一。斯托克豪森的音樂興趣廣泛，他幾乎將二戰后的所有音樂流派如序列音樂、偶然音樂、電子音樂、混合媒體、世界音樂、直覺音樂等手法運用起來。他盡力創造新的音響世界和表現方式，標新立異，做前人未做過的事情。這些使斯托克豪森成為先鋒派音樂的又一重要代表。
米爾頓·巴比特（MiltonBabbitt）
美國電子音樂一個重要作曲家是米爾頓·巴比特（MiltonBabbitt）。巴比特1916年生于費城，他是理性思維創作的代表人物，美國整體序列主義倡導者，他把他的作品與科學精確的實驗聯系在一起，把藝術中的理性因素提高到感性因素之上。巴比特4歲開始學小提琴，高中畢業時已顯示出爵士樂演奏與作曲的才華。他早年在著名的普林斯頓大學學數學，這成為日后他的理性化思維作曲的基礎，后師從羅杰·塞欣斯專習音樂。巴比特自1938年起在普林斯頓任教，1947年創作《三首鋼琴作品》，這是他“整體序列主義”作品的第一個實例。他長期追求電子音響的綜合手段，50年代開始，巴比特被聘為美國廣播公司作曲顧問，成為美國使用電子音響合成器的第一位作曲家，在理性主義思維與電子音樂的融合中，他追求對音樂織體中各個方面的序列控制，追求的是音樂的結構感。
巴比特的《菲洛梅爾》（Philomel），為女高音和盒式錄音磁帶而作，作于1964年。這是米爾頓·巴比特創作的一部出色而極富創新精神的電子音樂作品，磁帶的內容包含電子合成器的伴奏和事先錄好的女高音聲音。這部作品為女高音貝薩尼·貝爾茲利而作。作品的聲音基本材料為現場女高音、磁帶女高音、磁帶合成器。磁帶女高音多經過了合成處理。
讓·米歇爾·雅爾(Jean Michel Jarre )
被喻為“歐洲電子音樂第一大使”的讓·雅爾 (Jean Michel Jarre)，除了是榮獲奧斯卡、金球獎、英國影藝學院、格萊美獎等電影音樂大獎，譜出《阿拉伯的勞倫斯》《齊瓦哥醫生》的法國影音名家莫里斯·賈爾(Maurice Jarre)的兒子外，更是法國最偉大的電子音樂大師。
1977年的《Oxygene》專輯在全球創下數百萬的佳績，更帶動日后電子音樂的熱潮。當年在巴黎舉行的露天表演會，超過一百萬人的樂迷，配合上雷射燈光及煙火的壯觀場面讓他刷新了吉尼斯戶外音樂會觀眾紀錄，而這個紀錄被他本人分別于1986年(休斯頓150萬人)和1998年(莫斯科350萬人)兩度打破并保持至今。
作為世界上最早實驗電子音樂和數字音樂的藝術家，二十年來的橫跨音樂、美術、時尚及裝置藝術等領域的電子樂先驅(專輯全球銷量突破六千萬張，創紀錄的演出場次)，已經獲得了全球性的成功，并由此激起新一代的音樂人的創作靈感，引領了行業中發展速度最為迅速的潮流之一。
羅伯特·穆格(Robert Moog)
羅伯特·穆格(Robert Moog)，是電子音樂的先鋒，對電子音樂的發展有重要推動作用的音樂家之一。羅伯特·穆格出生在美國紐約的皇后區(Queens district)。在14歲的時候，穆格就自己動手制作了第一件樂器，一架泰勒明電子琴(特雷門琴)，人們可以在海灘男孩的經典名曲《Good Vibrations》中聽到這種樂器。1957年，羅伯特·穆格在皇后大學物理學學士，后來穆格用他名字命名了一系列自己發明的合成器，改變了鍵盤在音樂中的地位。1963年，穆格發明由自己設計的Moog Modular合成器。1964年，在音響工程師交流大會上，穆格向眾人展示出了自己的發明。在早期流行音樂的專輯中，很多樂手都使用了Moog Modular合成器。其中，文迪·卡洛斯(Wendy Carlos)1968年發行的專輯《Switched-On Bach》是最杰出的代表?！禨witched-On Bach》銷量達100萬張并為卡洛斯贏得三項格萊美獎獎項。同樣在1964年，穆格還發明了被形容為“第一臺結構緊湊的，容易使用的”Minimoog合成器。為表彰穆格對音樂的杰出貢獻，1970年，穆格被授予格萊美理事會終身成就獎。2001年，羅伯特·穆格還獲得被稱為瑞典音樂諾貝爾獎的“極地”音樂獎。
羅伯特·穆格(Robert Moog)于2005年8月21日在北卡羅萊那的家中去世，享年71歲。為了表示對穆格的懷念，穆格的家人創建了鮑勃·穆格基金(The Bob Moog Foundation)用來表彰對電子音樂的發展進步作出貢獻的音樂人。和穆格長期合作過的一些音樂家，工程師和教育家如大衛·波登(David Borden)，約翰·伊頓(John Eaton)，文迪·卡洛斯 (Wendy Carlos)和里克·韋克曼(Rick Wakeman)等已經公開表示同意管理這項基金。
地區特點
中國電子音樂
中國電子音樂發展從一開始就走著與西方電子音樂發展相當不同的道路，立足于體現中國文化內涵，通過豐富的電子音樂手段繼承和弘揚中國音樂傳統，并挖掘和發展中國獨特的音色以體現與西方不同的中國現代音樂風格，也因此成為現代中國音樂創作的重要組成部分。
自1994年以來，中國現代電子音樂中心（CEMC）在北京先后舉行了九屆（1994、1996、1999、2002、2004—2008）“北京國際電子音樂節”，電子音樂節的主要活動包括：主題論壇、系列電子音樂會、系列大師講學、電子音樂作曲比賽及學術論文評獎等。這些大型的國際性電子音樂活動，使中國電子音樂水平漸與國際接軌，在一定程度上縮短了中國電子音樂與國際電子音樂發展的距離。值得關注的是，每屆“北京國際電子音樂節”都有鮮明的主題作為音樂節的理念追求和風格基調。
隨著我國電子音樂教學和創作的不斷發展，最近幾年所舉辦的有關電子音樂的國際性交流活動也越來越多，這些活動為電子音樂的理論建設和藝術實踐提供了寶貴的交流平臺，使中西方不同的理論觀點通過共同討論得到完善和提高，為國內外學者的最新成果提供了更廣闊的展示空間，大大縮短了中國電子音樂與國際電子音樂發展的距離。
美國電子音樂
美國電子音樂美國第二次世界大戰后的電子音樂發展走的道路多少與歐洲有些不同，這主要是由于早期，美國的電子音樂很少能得到政府的直接支持。因此在美國，直到50年代中期才出現簡陋的工作室，他們用租來的設備（主要也是商業性設備）來做電子音樂的實驗。因此，戰后美國的電子音樂主要是藝術家們個人化的探索，并沒有任何政府組織機構參與或支持。盡管面臨這種條件的局限，盒式錄音磁帶技術的強大推力還是在音樂領域產生了回應，一些作曲家開始希望利用磁帶來創造可能的新的聲音。當時比較有代表性的有凱奇參與的“磁帶音樂工程”（Project of 音樂 for Magnetic Tape）與巴倫斯（Barrons）工作室，還有以烏薩切夫斯基（Vladimir Ussachevsky）為代表的哥倫比亞與普林斯頓的電子音樂實踐等。
美國電子音樂發展的私人化，當然還有地域的廣闊性帶來的空間上的疏離，使得美國電子音樂早期沒有形成統一的風格與創作理念。更確切地說，美國的電子音樂總體風格上更強調新技術帶來的實驗性成效，往往是實踐第一，沒有執著的、先入為主的觀念的引領（當然這一點，凱奇及后來的米爾頓·巴比特除外）。因此，如果一定要總結美國電子音樂的總體風格的話，這種技術引領、實踐第一或許可以看作美國電子音樂乃至后來計算機音樂發展的一個總體風格。
德國電子音樂
從1970年代開始，德國就在錄音技術和創作觀念上走在了世界的最前列，開創了一個全新的時代，在這之后的30年間，無論是在商業上獲得巨大成功的天王級DJ—保羅·凡戴克，還是被看做是地下電子之神的SvenVath，都在德國有著同樣至高無上的地位，而在這兩者之間，從受1970年代黑人音樂影響的舞曲根源Funk，Soul，迪斯科，到1980年代后興起并蓬勃發展的House和Techno，年輕一代在電子音樂文化中找到了新的價值觀念和自我認同。
在德國，1989年是變革的一年。不僅僅在政治方面，而且還體現在音樂上。柏林墻倒塌了，東西德國走近了彼此，專門服務于Techno的“配套設施”也同時健全起來。此前，跳舞音樂的制作、銷售和消費，在一定程度上都是在幾十年前延續下來的模式中進行電子音樂不得不與搖滾樂和流行音樂分享同樣的音樂工作室、唱片公司、發行商和商店。由于資源貴乏，DJ在“迪廳”表演時播放的唱片中不少都是來自1970年代。1989年前后終于出現了第一批俱樂部，法蘭克福的Omen，柏林的UFO和傳奇鼻祖Tresor。這些俱樂部并不是偶爾舉辦—兩場電子音樂Party，而是專門的電子樂場所，一些專攻House和Techno唱片的店鋪、廠牌和發行商也陸續建立起來，而且他們出售的唱片不再只有引進版。1990年代初期到中期，電子音樂首先經歷了流行化和商業化。受到Techno影響的唱片，主宰著各大排行榜和大眾媒體的版面。孩子的玩具不再是吉他，Technics36電唱機、AKAI37聲音采樣器和Roland3鼓機取而代之。一年一度的LoveParade3也發展到了百萬人的規模。許多先驅人物對1980年代末和1990年代初的電子音樂發展起了十分重要的作用，新的制作人更是以增長性的趨勢出現，這是有著開放的耳朵，聽著電子音樂長大的一代。
價值與影響
相對于其他傳統樂器，電子樂器具有許多優勢，包括性價比較低、耐用性強、維修簡便等。它們可以供學生放心試演和獲得操作體驗的機會。不僅初置成本較低，而且運營成本也很經濟，只需少量資金就可以建立電子音樂數字教室。這種設備可以實現一人一鍵盤的終端配置，用于集體教學和個別練習，非常適合因材施教，改變了音樂課程的傳統師徒制和手工式授課方式。這也使得這種設備在學校的語音教室和電腦教室中同樣能夠實現現代化和多媒體化。
電子樂器的成熟和穩定是具有重要意義的。在成熟之前，產品更新速度快，技術開發成本高，生產受限，價格昂貴，壽命有限，難以普及。但是一旦成熟和穩定，大規模生產和廣泛銷售使售價迅速下降，并提供周到的售后服務。同時，新技術的推廣應用使新發布的中低檔合成器或雙排鍵電子琴都具備卓越的基本配置和功能，以及便于升級的可能性。
電子樂器是為了替代人力、節省成本而誕生的，所以仿真原聲樂器必然是它最初始的目標和使命。電子樂器能夠發出任何聲音，不僅僅是世界上已有的聲音，還包括我們想象力范圍內的任何聲音。電子樂器主流將是數碼電子樂器展開其自塑之旅，與人工智能“合謀”，將電子樂器的自我淋漓盡致地展現出來，也許還將成為新的創作者。
發展前景
電子音樂從無到有，經歷了不同的發展階段，橫跨了“模擬”到“數字”兩個技術時代，包容了人類在聲學、物理學、音響學等眾多領域的研究成果。如今電子音樂的發展日趨成熟，由最初的“單一化”逐步擴展應用到社會的諸多層面，被大量使用在影視音樂、流行音樂等大眾媒介、家庭化多媒體以及網絡化的傳播領域。同時，它也由“實驗室制作”逐漸擴展出其他形式類別，像今天的電子化流行音樂組合的現場演出等。21世紀的現代電子音樂已經由初創時期單線條發展轉化為多元化的發展。對于電子音樂本身而言，順應了歷史潮流和發展的需要，體現出科學技術和音樂藝術的完美結合。它不僅開創了一個新的音樂表現空間，同時還為自己選擇了可持續發展的科技平臺，以自己獨特的音樂語言和表達方式在歷史的坐標上開創出新天地。可以說，如今的電子音樂是站在“巨人的肩上”不斷發展成長起來的。它以電子聲學為基礎，錄音技術和計算機技術為依托，更加系統化、專業化。
從社會生活領域來看，高科技手段進人音樂藝術領域后，越來越多的影音播放設備進人了尋常百姓家，大大提高了全民的音樂文化素養，使人們增加了更多音樂實踐的機會。如今電子音樂的發展，影音技術的廣泛應用，無不給現代社會帶來更加廣闊的發展空間，我們的生活到處都離不開音樂，試想一下，如果我們所看的電影電視沒了音樂的鋪墊，只有畫面，就好像一潭沒有流動的死水，感受不到它們內在的含義，自然也沒有了生息。因此，運用現代科技手段加些特效和音效是必不可少的?，F在兩者真正到該重逢的時候了?，F代科技普遍運用到音樂領域之中，對人們的思想觀念、現實生活、社會需求有著巨大的影響，同時也間接加快了人類發展的步伐，推動了社會的進步。當然，其發展前景是廣闊的，現實意義是深遠的。運用科技手段對音樂領域的開發還是需要一個不斷探索研究的過程。這就需要我們共同努力，在科學和藝術的道路上發揮自己的光和熱，不斷造福于人類。
參考資料 >
沙漠，本身就帶有魔幻色彩.百家號.2025-05-13
< Synth Pop:飛行在浪漫合成器下的人們> - 歌曲列表.酷狗音樂.2023-12-14
< 高科技舞曲:機械化的未來感電音> - 歌曲列表.酷狗音樂.2023-12-10
讓-雅爾都柏林演奏 電子樂大師展現魅力.新浪娛樂.2023-12-21
電子音樂先鋒羅伯特-穆格去世 享年71歲(附圖).新浪娛樂.2023-12-21