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來源：互聯網

《藝術家》（The Artist）是一部由邁克爾·哈扎納維希烏斯自編自導，讓·杜雅爾丹、貝熱尼絲·貝喬、約翰·古德曼主演的黑白無聲愛情片，于2011年5月15日在法國戛納電影節首映。2012年4月22日，該片作為閉幕影片在第2屆北京國際電影節展映，隨后于2012年12月28日在中國大陸公映。

影片講述了巨星梅利莎·喬治與影迷佩琵的愛情故事——兩人相遇在有聲電影取代無聲電影的變革時代，雖然彼此身份地位發生了翻天覆地的大逆轉，但他們對藝術與愛情的執著始終如一。

截至2013年底，這部經典之作橫掃全球五十多個一流電影節，榮獲204項提名，最終獲得162項大獎。包括入圍第64屆戛納國際電影節，并獲得主競賽單元金棕櫚獎提名，最終獲得了最佳男主角獎；在第84屆奧斯卡金像獎頒獎典禮上，該片獲得了10項提名，最終斬獲了奧斯卡最佳影片獎、最佳導演、最佳男主角、最佳原創配樂、奧斯卡最佳服裝設計獎5項大獎；在第65屆英國電影學院獎上，該片獲得最佳影片、最佳導演、奧斯卡最佳攝影獎在內的7項大獎。截至2023年3月5日，該片全球累計票房超過1.3億美元。

劇情概要

才高氣傲的好萊塢默片巨星喬治·瓦倫丁(讓·杜雅爾丹飾)被記者團團包圍時，狂熱影迷佩琵·米勒(貝熱尼絲·貝喬)意外撞到他身上。

喬治一笑置之，佩琵沖動獻吻，獻吻照上了報紙頭條，風頭蓋過新片宣傳。老板因此非常生氣，妻子因此醋意大發，佩琵卻因此受到鼓勵，決心投身演藝圈接近自己的偶像。

佩琵在參加舞蹈演員選拔時引起喬治注意，兩人隔著幕布以踢踏舞步進行了一場妙趣橫生的“對話”。慧眼識珠的喬治此后不斷指導提攜佩琵，還特意為佩琵在嘴角添了一顆美人痣，使佩琵與眾不同從而脫穎而出。

不料，本來越走越近的兩個人，卻被新興的有聲電影潮流越推越遠，兩人身份地位也發生了翻天覆地的大逆轉。

喬治不甘無聲電影沒落而抗拒有聲電影，被公司解雇被觀眾拋棄。他企圖靠自編自導自演無聲電影對抗有聲電影，卻不知道自己正在走進死胡同。

而佩琵卻借著有聲電影的東風大放異彩，成為大紅大紫的新偶像。而她的成名作《美人痣》其實有喬治當初點痣之功。

佩琵在飯店接受采訪解釋自己迅速爆紅的原因時說——觀眾已經受夠了只會擠眉弄眼的老演員，舊的不去新的不來，長江后浪推前浪是人生規律。這番話深深刺痛了恰好在旁邊進餐的喬治。

崩盤加上自拍的電影無人問津，喬治最終破產離婚。他不得不解雇老仆人拍賣家產。佩琵暗中拍下喬治的東西。

窮困潦倒的喬治去觀看佩琵的新作一探究竟，卻不由自主地被感動，因為劇情竟然是重演他與佩琵初次相遇那一幕。

喬治不得不承認有聲電影魅力的同時徹底否定了自己，一把火燒掉了自己舍不得拍賣的作品膠卷，卻釀成火災差點喪生。

佩琵聞訊顧不上拍戲趕到醫院把喬治接到家中療養，并且以罷演威脅老板齊默同意喬治和她一起拍新戲。不料喬治發現佩琵買下了自己全部東西，感到無地自容不辭而別。

興沖沖趕回家的佩琵預感大事不妙，及時挽救了自暴自棄正要輕生的喬治，使他重新擁抱藝術與愛情。

主要角色

影片主題

《藝術家》是一部愛情片包裝的藝術片，透過一個電影藝術家的自我掙扎歷程，思考藝術與技術的關系、思考傳承與創新的關系，思考電影藝術的真諦。

本片的故事背景是1927年至1932年的美國好萊塢，處于美國電影史上從無聲電影過渡到有聲電影的一個關鍵時期。原先無聲電影一統天下，在藝術與商業上都取得了巨大的成功，影星們到處享受記者和影迷的簇擁。但是隨著錄音技術的發展，無聲電影被有聲電影取代逐漸退出歷史舞臺，電影人陷入了如何處理藝術與技術、如何看待傳承與創新的困惑。

喬治就是那個時代困惑電影人的代表。他視藝術如生命，否定無聲電影藝術無異于否定他的生命價值，這是他無法接受的。對他來說，放棄賴以成名的無聲電影表演模式，無異于聾啞人放棄手語與肢體語言一樣，就失去了與世界溝通的橋梁。當他最終認識到聲音只是使藝術表現手段更豐富，并不會破壞藝術本身時，他接受了有聲電影，也恢復了藝術生命。

在電影史上，不僅像喬治這樣的電影創作者因使用聲音拍電影而迷茫，甚至連魯道夫·阿恩海姆這樣的電影理論家和查理·卓別林這樣的電影藝術家，都曾反對使用聲音、色彩等新技術手段，以防止電影陷于自然主義，避免電影變成抄襲生活的工具。

但是更多人像電影理論家貝拉·巴拉茲那樣，意識到科學技術的發展將廣泛影響電影藝術，認識到“有聲電影不應當僅僅給無聲電影添加聲音，使之更加逼真；它應當從一個完全不同的角度來表現生活，應當開發出一個全新的人類經驗的寶庫”。

當然，最終起決定作用的，是觀眾的選擇——正如劇中臺詞所言：觀眾永遠是對的。聲音、色彩等新技術手段，使電影的內容更豐富多彩更容易理解，自然更受觀眾的歡迎。

喬治代表著無聲時代，佩琵象征著有聲時代，制片人意味著中立方，觀眾們則是擁有最終決定權的裁判者，從這個意義上說，《藝術家》依舊是對立雙方走向和諧的故事。佩琵與喬治終成眷屬寓意新舊時代的融合。佩琵對喬治的不離不棄寓意新時代電影人對舊時代電影人的珍惜與傳承，兩者是青出于藍勝于藍的關系。

影片自始至終運用返璞歸真的無聲電影表演形式，加上以戲中戲的形式致敬無聲電影時代的一系列經典作品，使觀眾反復感受到無聲勝有聲的藝術魅力，也有助于電影人領悟到：無論借助什么技術，電影的內涵和意義始終是最重要的。

影片特色

返璞歸真

在無聲電影時代，電影實際上是一門視覺敘事藝術，演員依靠豐富的表情和夸張的動作，與觀眾達成心有靈犀一點通的精神默契。因此，用道具和形體來說話是當時電影人引以為榮的技巧，也是當時電影人的金科玉律。相反，靠文字傳情達意被視為無能的表現，而且會因為破壞表演的流暢性而令導演們深惡痛絕。——了解當時電影人這種根深蒂固的電影理念，有助于我們理解男主角面對有聲電影沖擊時，為什么會那么執著與困惑。

《藝術家》不依靠高科技的數字視聽奇觀，不依賴戲劇化的人物對白，文字、呼吸、停頓、語調，所有這些演員通常可以倚賴的手段都不存在了。全劇效仿20世紀初好萊塢無聲電影電影的藝術手法、角色設置和鏡頭運用，用最質樸的形式還原電影最核心的精髓。它表面上摒棄了聲音，實際上是利用無聲電影的方式，去除了淪為形式甚至糟粕的噪音，反而言簡意地發揮了電影聲音的敘事功能，與畫面一起來共同表現影片的主題。

為了復制后期無聲電影的精神和味道，特別是它們的能量、活力和情感感染力，攝影總監紀堯姆·希弗曼、藝術指導勞倫斯·本內特和服裝設計師馬克·布里奇斯通力合作。紀堯姆·希弗曼甚至用彩色拍攝了這部電影再把它變成黑白，因為當今的黑白攝影太過鮮明，不夠粗糙。他用特殊的濾鏡降低分辨率，使白色部分模糊，使黑色部分減弱。這樣就可以讓畫面變得更加灰暗，讓主角隨著劇情的需要逐漸失去光彩。

這部經典之作大獲成功證明了依靠無聲電影時代最質樸的視覺敘事藝術，能夠達到無聲勝有聲的藝術境界，給越來越沉迷和依賴技術而忽視藝術內涵的電影人提供了一面鏡子。

戲中戲

影片的創新之處，在于以戲中戲的形式，將電影人對于愛情和藝術的追求融合為一體。

電影“戲中戲”里的片段分別取材于默片時代的一系列經典作品——

佩皮開車去營救準備自殺的喬治那個片段，借鑒了美國電影之父大衛·格里菲斯(D.W. Griffith)的《一個國家的誕生》(The Birth of a Nation，1915年)。

喬治在公寓中心觀看的那部電影叫《佐羅的標記》(The Mark of Zorro ，1920年)，該片確立了道格拉斯·范朋克（Douglas Fairbanks）無聲電影時代動作英雄和超級偶像的地位。本片中由杜雅爾丹代替原主演道格拉斯·范朋克飾演主角。

片中喬治出演的劍客電影，則讓人聯想到《羅賓漢》(Robin Hood，1922)。

佩琵·米勒穿著喬治·瓦倫丁的外套想入非非的場景，出自《七重天》(7th Heaven，1927年)中珍妮特·蓋諾（Janet Gaynor）裹著查爾斯·法雷爾（Charles Farrell）外套的場景。

喬治和佩琵相處時如同在第一部有聲電影《爵士歌手》(The Jazz Singer，1927)中一樣。

佩琵·米勒拜訪喬治·瓦倫丁之后，她對男伴說：“帶我回家。我想一個人呆著。”這可以視為引用格雷塔·嘉寶（Greta Garbo）在《大酒店》（Grand Hotel，1932年）中那句臭名昭著的臺詞：“我想一個人呆著。”湊巧的是，葛麗泰·嘉寶的老搭檔約翰·吉爾伯特（John Gilbert）和喬治·瓦倫丁一樣，未能成功過渡到有聲電影時代。

早餐蒙太奇顯示了喬治與妻子婚姻關系的破裂，6個拼貼鏡頭，以及佩琵的心動過程，照搬《公民凱恩》(Citizen Kane，1941)。

制片人與明星的對抗、新人的夢想、戲中戲的暗喻等，有如《雨中曲》 (Singin' in the Rain，1952).和《一個明星的誕生》(A Star Is Born，1950)。

在展示佩琵成為明星的結尾字幕的蒙太奇中，第一組字幕顯示“露易絲”由“諾瑪·拉蒙特”飾演。這是對諾瑪·塔爾馬奇（Norma Talmadge）和莉娜·拉蒙特（Lina Lamont）的致敬，她們是無聲時代杰出的明星。片尾的二人踢踏舞則是對金格爾·羅杰斯（Ginger Rogers）和弗雷德·阿斯泰爾（Fred Astaire）這對好萊塢歌舞片時代的黃金組合表示敬意。

佩琵去喬治家看望喬治時的場景，讓人油然想起日落大道(Sunset Blvd，1950)中貝蒂(Betty)去諾瑪(Norma)家看望喬·吉利斯(Joe Gillis)時的場景。佩琵和貝蒂都是在晚上穿著厚重的外套站在鍛鐵大門外，戰戰兢兢地等待著。

影片在高潮時刻借用了伯納德·赫爾曼（Bernard Herrmann）在《迷魂記》（Vertigo）（1958年）中的愛情主題曲。

影片還借鑒了《最卑賤的人》(Der Letzte Mann，1924)、《亞森羅賓》(Arsène Lupin，1932)、《賊》(The Thief of Bagdad，1924)等等經典無聲電影，不勝枚舉。

模仿無聲電影經典片段，增添了影片的可看性和趣味性；一系列的“似曾相識”，既滿足了現代觀眾的懷舊情結和審美趣味，又證明了無聲電影值得借鑒與傳承的藝術價值。

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鏡像敘事

男主角喬治·瓦倫丁夢到自己與鏡中的“自我”進行“對視交流”，甚至惶惑地對著鏡子咆哮，卻怎么也發不出聲音。導演借助鏡子放大了喬治的內心世界，暴露了他內心深處的焦慮不安和無所適從；象征性地暗示了喬治在有聲電影時代中徹底失去了話語權，失去了對世界的影響力。

隨著梅利莎·喬治投資無聲電影徹底失敗，而佩琵出演有聲電影成為巨星。導演又一次運用銀幕發揮鏡子意象——將喬治的身影投在電影的銀幕上，讓他與自己的影子對話，讓他沖著影子罵自己“又愚蠢又自大”。形象地展示了喬治意識到自己被有聲時代徹底拋棄，揭示了他徹底否定自己走向自我毀滅的絕望心境。

眼睛也是一面鏡子，使我們可以從別人的眼睛里照見自己。當喬治準備自殺的時候，他從佩琵的眼睛里重新認識了自我，不僅找回了獨特完美的自我，而且看到了“愛”與“被愛”的信息，重新對自己的藝術與人生燃起了希望。

導演也通過鏡子拓展空間——借鏡子作愛情的媒介，讓男女主角在鏡子中發現了雙方心照不宣的秘密，給觀眾提供了想象的空間。

導演還通過鏡子交錯時間——讓喬治站在櫥窗前，重溫昔日穿著精致禮服站在舞臺中央的高光時刻；使櫥窗這面鏡子成為通道，讓男主角游移于輝煌的過去與黯淡的現在之間。黑白分明的禮服與灰暗陳舊的外套形成極大反差，直觀地呈現了喬治心理上的巨大落差，加深了人物命運的悲劇性色彩。

導演通過這一系列的鏡子意象，使原本看不見摸不著的心理活動形象化，讓觀眾能夠清楚地看見男主角彷徨掙扎的心理軌跡，理解他對藝術的執著與困惑。

影片制作

拍攝構思

編劇兼導演邁克爾·哈扎納維希烏斯曾說，《藝術家》是一封寫給電影的情書，出于全體劇組成員對電影史上好作品的欽佩和尊重，其靈感來自弗里茨·朗(Fritz Lang)、阿爾弗雷德·希區柯克(Alfred Hitchcock)、約翰·福特(John Ford)、恩斯特·劉別謙(Ernst Lubitsch)、F.W.穆爾瑙(F.W.Murnau)和比利·懷爾德(Billy Wilder)等人的作品。

出于對無聲電影的著迷，哈扎納維希烏斯很長一段時間都想拍一部無聲電影。但是直到他執導的間諜系列片《OSS117：開羅諜影》和《OSS117：里約諜影》取得了巨大的商業成功后，這個計劃才得以實施。

托馬斯·朗曼（Thomas Langmann）被哈扎納維希烏斯稱為“法國最瘋狂的制片人”。因為他將制片視為一種賭博。他說：“我知道如果我們拍了一部黑白電影，并且我們成功了，那將是有獨創性的。”

哈扎納維希烏斯與朗曼花了一段時間協商，才最終達成共識：拍一部電影講述20年代偶像派男演員因為受有聲電影沖擊而彷徨掙扎。

這部電影最初的設想是集中演繹男主角梅利莎·喬治的孤獨，而女配角佩琵原先定位為一個因偶遇而成名的臨時演員。但是后來哈扎納維希烏斯豐富了佩琵這個角色，進而把這部電影發展成了愛情片。

哈扎納維希烏斯花4個月完成了劇本，花35天完成了拍攝。因為他認為大部分經典無聲電影都是情節劇，所以他創作劇本時選擇了情節劇的敘事模式。盡管影片長達100分鐘，但是劇本只有42頁。這實際上是所有獲得重大獎項提名的電影中最短的劇本。

喬治·瓦倫丁（George Valentin）的角色原型是兩位無聲電影明星——道格拉斯·費爾班克斯（Douglas Fairbanks）和約翰·吉爾伯特（John Gilbert）。這兩位演員都拍攝表現驚險打斗的無聲電影，并且他們的職業生涯都隨著有聲電影的推出而走向下坡路。

這部電影的藝術指導和制作設計的靈感來源于F.W.穆爾瑙(F.W.Murnau)的兩部經典作品《日出：兩個人的歌》(Sunrise: A Song of Two Humans ，1927) 和《都市女郎》(City Girl ，1930).。

拍攝團隊

邁克爾·哈扎納維希烏斯

邁克爾·哈扎納維希烏斯祖籍立陶宛，在法國巴黎出生和長大。1999年，他創作并執導了他的第一部長片《梅斯阿米斯》，接下來拍了劇情《諜戰戲仿》（OSS117:開羅諜影，2006年）及其續集《OSS117:里約諜影》（2009年），在法國取得了票房成功，開始有了創作《藝術家》的資本。邁克爾·哈扎納維希烏斯身兼三職(編劇、導演和剪輯)，而且男主演是朋友，女主演是妻子，這使團隊組建相對簡單了很多。

盡管哈扎納維希烏斯對無聲時代很熟悉，但是他編寫《藝術家》劇本的時候，仍然深深地沉浸到無聲時代中幾個月——閱讀了無聲電影演員的傳記，去巴黎電影學院回顧了無聲電影大師們的經典作品，研究了20年代和30年代初的照片，傾聽了當時的流行音樂。

讓·杜雅爾丹

哈扎納維希烏斯請法國喜劇明星讓·杜雅爾丹飾演主角喬治·瓦倫丁時，一開始被杜雅爾丹拒絕：“你瘋了。這是不可能的。”如果讓·杜雅爾丹真的拒絕了，那就錯失良機了——這部電影是有史以來第一部由非英語國家制作的奧斯卡最佳影片，杜雅爾丹也憑借這部電影成為首位獲得奧斯卡最佳男主角獎的法國演員，并且拿到各種各樣的獎。

杜雅爾丹原來只了解那個時代的表面，只知道巴斯特·基頓和查理·卓別林的杰作。直到找到金·維多(King Vidor)的電影《群眾》(The Crowd)——這部電影講述了一個在20世紀20年代大城市迷失的人——杜雅爾丹如同考古大發現，他認為《群眾》這部片非常現代、非常感人，幫助他收集了所需的各種參考資料。

杜雅爾丹以道格拉斯·費爾班克斯作為角色的原型，在杜雅爾丹看來，費爾班克斯與主角喬治·瓦倫丁的人生一樣——1915年開始拍攝無聲電影，隨著有聲電影的興起，他的職業生涯逐漸衰落；觀念一樣——固步自封，從不突破《羅賓漢》和《佐羅的印記》等電影所要求的驚險打斗的風格；性格也一樣——他可以傲慢，但他很正直；他相信自己的藝術，他為之拼搏。

貝麗妮絲·貝喬

出演佩琵的是導演的妻子貝麗妮絲·貝喬，她一開始也表示拒絕：沒門——沒門。但是她最終出演并收獲了各種各樣的獎勵。

貝喬從葛洛麗亞·斯旺森(Gloria Swanson)身上找到了靈感——斯旺森與費爾班克斯不同，她從無聲電影開始，接著去拍有聲電影，然后去上電視，在有聲時代表現出色。貝喬愛上了斯旺森的自傳，她認為斯旺森代表了美國人的生活方式——斯旺森的自傳描述了她主演《日落大道》前后截然不同的生活，貝喬從中感受到了那個時期的氛圍。

路德維克·伯斯

路德維克·伯斯因創作這部電影的配樂而獲得了奧斯卡獎，但是他從未受過任何音樂編曲或電影配樂方面的正規高等教育培訓，僅僅在小時候從手風琴課上學會了讀譜，十幾歲時學習了爵士樂。五位編曲家和五位管弦樂隊幫助他在一個大型交響樂團中實現了自己的音樂理念。

拍攝成本

《藝術家》的制作預算約為1500萬美元，最終成本接近2000萬美元。這部電影主要由法國資助，部分資金來自比利時。

拍攝場地

這部片的拍攝地點在派拉蒙影業公司（Paramount）和華納兄弟（Warner Bros.）的拍攝場地，以及洛杉磯市中心1893年布拉德伯里大廈（Bradbury Building）燈光明亮的中心球場等地方。

影片中喬治和佩琵曾在裝飾華麗的鍛鐵花絲的樓梯上短暫會面。這座樓梯位于加利福尼亞州洛杉磯南百老匯304號布拉德伯里大廈的中央中庭。在那里曾經拍攝了數十部電影、電視節目和音樂視頻，其中以《銀翼殺手》（Blade Runner，1982）最出名。

佩琵的房子原來屬于瑪麗·皮克福德（Mary Pickford），皮克福德在嫁給道格拉斯·費爾班克斯并搬進傳奇的皮克費爾豪宅之前住在那里。而梅利莎·喬治醒來的床就是皮克福德的床。在短暫可見的餐廳里，還可以看到屬于皮克福德的英國喜來登餐廳和桌布。

醫院的外部是美國電影學院華納大廈的主要入口。

拍攝道具

導演哈扎納維希烏斯讓落魄的喬治穿上了稍微大一點的西裝，以使他有別于開幕時的完美形象。

在喬治和妻子多麗絲的早餐蒙太奇中，多麗絲身后的架子上有一男一女兩尊半身像。隨著場景的進展和時間的流逝，兩尊半身像的距離越來越遠，直到只剩下一尊女人半身像。

“狗”這個角色實際上是由三只相似的杰克拉塞爾梗犬扮演的：烏吉、達什和杜德，盡管大多數場景都是由領頭狗烏吉扮演的。為了看起來更像同一個狗，拍攝開始前就把三只狗都染成相同顏色。

海報和電影院外的片名也被用作暗示劇情的道具——當佩琵試穿喬治的外套時，可以看見《她的偷心賊》（The Thief of Her Heart）；當喬治悲傷地穿過街道時，可以看見《寂寞的明星》（The Lonely Star）；而《守護天使》（Guardian Angel），則是佩琵·米勒在喬治拍賣家產結束后拍攝的電影。

服裝設計

服裝設計師馬克·布里奇斯是看著無聲電影長大的，在母親影響下他成了好萊塢早期電影的狂熱愛好者。對于博·布里奇斯來說，設計20年代服飾是一個夢想。

為了使《藝術家》這部電影中的服飾符合20年代，布里奇斯回顧了《It》(1927)中的克拉拉·鮑（Clara Bow），《我們跳舞的女兒》(Our Dancing Daughters，1928.)中的瓊·克勞福德（Joan Crawford）和《戲子人生》(Show People，1928)中的瑪麗恩·戴維斯(Marion Davies)，還有《俏姑娘》（Coquette,1929）中的瑪麗·皮克福德（Mary Pickford）。布里奇斯的一些設想來自米高梅1925年的紀錄片《影城之旅》(Studio Tour)，他從中了解到那個時代人們的衣著習慣。

不過，20年代原裝服裝很難找到——經過90年滄桑，汗水、時間、衣架和灰塵使它們脆弱得無法使用，大多數絲綢連衣裙都破碎了。博·布里奇斯只能充當一名拼湊師，他從舊時代物品中復制圖案，然后用現代面料重新制作；或者給自己的收藏品添加裝飾藝術邊框、珠子或復古衣領。他甚至在eBay上搜羅了20年代后期精致的串珠連衣裙。

令布里奇斯和演員都感到震驚的是，那個時代的服裝是那么簡樸。女主演貝喬因此認為那個時代的女性代表著自由，代表著女性主義者的形象。

這部電影的服裝和配飾在奧斯卡頒獎季期間被送到洛杉磯，在市中心的時裝設計與營銷學院展出。

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配樂設計

F.W.穆爾瑙的《禁忌》(Tabu: A Story of the South Seas，1931)和《日出：兩個人的歌》、恩斯特·劉別謙的電影和阿爾弗雷德·紐曼(Alfred Newman)的配樂，都使路德維克·伯斯受到啟發，使他從約翰內斯·勃拉姆斯（Brahms）和一本19世紀的書中汲取最初靈感。

伯斯一開始總感覺缺少了什么，后來發現缺少電影劇本中的一條情感主線。于是他去尋找一個合適的文本，用于演繹喬治和佩琵所體現的尊嚴、愛和簡樸。他偶然發現了由勃拉姆斯譜曲的、德國詩人漢斯·馮·施密特（Hans von Schmidt）的《藍寶石頌歌》（Sapphice Ode）。他從最后一句詩——流下眼淚的露珠——中獲得了主題，借用它作為電影中一首歌的標題——《眼淚的聲音》（the Sound of Tears）。

榮譽獎項

參考資料

票房與上映

票房

該片在法國由華納兄弟影業發行。隨后，韋恩斯坦國際影業公司買下了影片在美國、澳大利亞、英國、南非等地區的發行權。

截止2023年3月5日，《藝術家》全球累計票房超過1.3億美元（$133,471,171）。北美票房表現不佳，僅為4467萬美元，占總票房的33.5%；不過，它的海外票房包括在法國、英國、意大利、日本等地取得了不錯的成績，總計約8880萬美元，占總票房的66.5%。中國大陸總票房為418萬人民幣。

上映信息

參考資料

影片評價

影評人基思·加林頓(Keith Garlington)認為：《藝術家》讓我們想起了電影中的一切神奇之處。這讓我們想起了一個創意勝過大張旗鼓炮制的效果、勝過價值百萬美元布景的時代。

影評人唐·沙納漢認為：《藝術家》讓人回想起了那樣一個時代——單純表情和精準動作所帶來的美妙和力量，以及在濫竽充數之前美好的電影配樂意味著什么。

《時代周刊》的影評人瑪麗·波爾斯（Mary Pols）認為：《藝術家》與觀眾產生了熱烈的聯系，為憂郁的電影愛好者帶來了拯救——因為這是一部難得的電影，確實能給人帶來難以言表的快樂。

《視像》雜志的影評人彼得·德布魯格（Peter Debruge）認為：該片是“一封給無聲電影的情書，在沒有對話或聲音的情況下，講述了一段發自內心的老派浪漫”。

默片收藏家兼制片人謝爾格·布羅姆伯格（SergeBromberg）表示：“這是一部既現代又精彩的電影。擁有令人瞠目結舌的電影技術、出色的表演、對經典電影洞悉其妙。它有著古老的味道。但這不是一部20年代的電影；節奏不盡相同，它持續的幽默讓它與20年代的影片有一定的距離。”

四川國際標榜職業學院基礎教育部主任秦佳梅副教授：《藝術家》以一種接近默片的形式，透過一個電影藝術家的自我掙扎歷程，講述了一個電影時代發生巨變的故事。電影形式與內容之間相輔相成，在整體上使用好萊塢經典敘事的同時，又隱含了多種舊時代所沒有的敘事技巧；在緬懷舊技術元素的同時，又對電影新技術的使用采取一種歡迎姿態；既著力表現了電影人的痛苦蛻變，又始終強調著觀眾的觀影樂趣。整部電影以懷舊而不守舊的精神贏得了觀眾與批評界的普遍好評。

中央民族大學外語學院講師張欲曉：這部影片以濃郁的懷舊氣息、樸實的拍攝手法和永恒不變的愛情故事，感動了所有觀影人，創造了戛納電影節惟一的一次觀眾集體起立鼓掌的盛況。

不同看法——

《偏鋒雜志》的影評人海梅·克里斯特利（Jaime N. Christley）批評這部電影只是“不假思索的大雜燴”，她認為影片忽略了好萊塢默片時代所有令人著迷和難忘的東西，而是專注于對于經典電影的致敬和拼湊。