比爾·布蘭特（原名赫爾曼·威廉·布蘭特，1904年5月2日 - 1983年12月20日）是一位英國攝影師和攝影記者，被廣泛認為是20世紀最重要的英國攝影師之一。出生在德國漢堡的一個銀行家族，布蘭特移居英國，以其在《利利普特》和《圖片郵報》等雜志上拍攝的英國社會形象而聞名；后來他拍攝了扭曲的裸體、著名藝術家的肖像和風景。他的雄心壯志是成為一位獨立的專業攝影家，他在1936年出版了第一本書《在家的英國人》(the English Athome)。
個人經歷
比爾·布蘭特在德國漢堡出生，父親是英國人，母親是德國人。布蘭特在第一次世界大戰期間長大，他的父親作為英國公民被德國人拘留了六個月。布蘭特后來否認了自己的德國血統，并聲稱自己出生在倫敦南部。戰后不久，他患上了肺結核，花了大部分青年時期在瑞士達沃斯的療養院度過。他前往維也納接受精神分析治療。無論如何，他被宣布治愈，并得到社交名媛尤金妮·施瓦茨瓦爾德的照顧。當龐德訪問施瓦茨瓦爾德的住所時，布蘭特為他拍攝了肖像。龐德據稱感激地向布蘭特介紹了曼·雷，布蘭特隨后在1930年訪問了曼·雷的巴黎工作室和暗房。
1933年，布蘭特搬到倫敦，并開始記錄英國社會的各個層面。這種紀實攝影在當時并不常見。布蘭特出版了兩本展示這一工作的書籍，《英國人在家》（1936年）和《倫敦之夜》（1938年）。他經常為《利利普特》《圖片郵報》和《哈珀斯巴扎》等雜志做出貢獻。1940年，他受英國信息部委托，記錄了倫敦地鐵的防空洞，在11月4日至12日之間拍攝了39張照片，后來因感冒而不得不停止。這些照片是用一臺羅萊福斯相機拍攝的。
在第二次世界大戰期間，布蘭特專注于許多主題，如他在《倫敦的相機》（1948年）中所見，但在肖像和風景攝影方面表現出色。為了紀念1945年的和平到來，他開始了一系列著名的裸體照片。他戰后期的重要著作包括《文學的英國》（1951年）和《裸體的視角》（1961年），隨后是他最佳作品的匯編《光影的陰影》（1966年）。布蘭特成為了20世紀英國最有影響力和國際上最受欽佩的攝影師。他的許多作品具有重要的社會評論意義，同時也具有詩意的共鳴。他的風景和裸體照片充滿活力、強烈而有力，經常使用廣角鏡頭和扭曲效果。
布蘭特于1983年在倫敦去世。1984年，比爾·布蘭特被追授國際攝影名人堂和博物館的榮譽。2010年，在倫敦肯辛頓的艾爾利花園4號，為布蘭特豎立了一塊英國文化遺產藍色牌匾。
作品風格
在三十年代經濟危機和二次大戰倫敦被炸之后，布蘭特從社會現實主義的題材轉向拍攝風光、人體及肖像。在四十年代初期，他得到一架木制負片照相機，并使用了早期生產的超廣角鏡頭。近攝時的光學畸變和很大的景深導致了他對變形人體攝影的研究。開始時，他在室內拍攝人體，后來他使用現代相機和鏡頭在海濱拍攝，利用沙礫和巖石粗糙的肌理作為光滑，細膩的人體的陪襯，加強了人體的視覺效果。這些夸張的人體影象，失調的比例和生硬的反差形成了無性感的一個整體。
在一些方面，布蘭特的攝影風格與他同時代攝影家，如卡蒂埃·布列松恰恰相反。一旦他認為某些方法對改善照片有效，他便會擺布被攝對象，使用附加光源，如閃光燈或使影象產生光學畸變。同時，他還通過暗室處理、修版提高照片的水平，甚至改變已發表作品的影調反差。
布蘭特的興趣是多變的，他不只是變換拍攝題材，他的攝影方法也經常在變。早期，他以細膩的影調強調氣氛和自然的效果。而現在，如果他將同樣的負片從新制作，就會去除它的中間影調，使照片產生邊緣明確的繪畫效果。他越來越多地使用高反差的相紙，使陰影濃黑一片，使高光更為突出。犧牲照片的細節和真實性，換取圖案和形式的表現力。
在風景作品中，布蘭特對對比的熱情上升到了一個新的高度。布蘭特舍棄了自然界中的各種灰色調。他印出了白色雪原中Stonehenge的黑色巨石，蜿蜒如白蛇般的閃閃發亮的河流，以及在湖中類似一個巨大的黑色三角形的防波堤。
布蘭特所挖掘的最后一個題材是人體。在本世紀四十年代，他找到了一架有廣角鏡、可以無限聚焦的舊式伊士曼柯達公司箱形照相機，于是就開始用它來拍攝裸體。從鏡頭中看到的物體是這樣的扭曲，甚至在布蘭特印照片之前看起來就已經很抽象了。但是他還用在對比度很高的像紙上印照片的方法來加強照片的抽象效果。
作品評價
布蘭特的照片中交纏不清“真實與虛幻的裂紅”。攝影者一部分工作是比大多數人“看”得更熱烈，他必須要具有新生嬰，或初入未知國境的旅行者那樣的眼光，并且保持其敏感及易受感動的特質。大多數攝影家都會不好意思承認，他們帶有好奇的感覺，可是沒有這種感覺，就做不出完美的東西來。”布蘭特關于攝影家眼力的說法經常被人引用。對他來說，怎么觀察對象，比怎么表現還要來得重要：“我們大多數人都太忙了，太憂心、太急切于證明自己是對的，以至于不能起而凝視對象，我們看到一件事就相信曾見過它，然而所看到的通常是自己的偏見、或者是過去的經驗、或者是我們的期望。大多數人很少釋放自己的思想，而光是為了看本身就有的樂趣去看——我們越是不這樣看，事物的本質就會在我們身邊隱藏得越久。”
簡單地說：布蘭特強調直覺。他認為太過于自省反而會阻礙與對象的溝通。直覺正是創作者下意識泄露出來的“心靈眼睛”，唯有它能看到事物的本質。為了把自己所看到的事物內在本質表現出來，布蘭特在暗房大做手腳，把景色原有的層次做了很大的增減曝光，使之呈現高度反差的效果——灰色調子極小，黑白利落分明。勤于各種實驗的布蘭特也曾在彩色底片發明時，做過試驗。他那本最著名的專集《光之影》（Shadowfligt）的初版里，就有幾張彩色照片，不過等再版時卻又被抽掉了，從此布蘭特就再也不去碰彩色了。
他希望自己的影像能夠躲避大自然的豐富層次，因而每一本的再版時，都要求印刷廠增加反差，且一版比一版有更高的“不黑即白”的調子，不過這種手法往往會讓不明究理的讀者，以為買到了一本印壞的書籍。不管別人接受不接受，布蘭德視“不黑即白”為“似是而非”的主題之最佳語言。評論家肯培爾（BrynCampbell）對這種風格給予相當好的評價：“布蘭特利用銳利的黑白色調來孤立物體，使它們脫離原有的寓意，并帶起一種視覺興奮感，他開啟了一個真實與虛幻之間的裂縫，并提供給我們一條跨過這條裂縫的管道。”
作品主題
布蘭特的創作可明顯的分成幾個時期的主題，這在其他攝影家是很難得一見的，他從不把自己沉溺在已開拓出來的天地里，也不把自己的風格定型在一個特定模式中。三十年代他拍報導，四十年代開始蛻變，拍風景、肖像，五十年代集中火力實驗變體探女，六十年代又由即物傾向邁向抽象領域。由此可知“主題”才是布蘭德創作的泉源，他選擇不同的對象來鍛煉自己的眼力及表現技法。
他這么提到主題和自己的關系：“如果我拍照有什么方法，關鍵就在于：先看主題——可是千萬別試著去強迫照片成為什么樣式。跳開來，然后就有事情發生——主題會泄露自己。”當然啦，同樣的景物對不同的人有不同的啟示，布蘭德在景物中所感受到最強的東西，不是外貌、不是結構，更不是內容的意義，而是氣氛。這是一個不可捉摸的東西，唯有用純粹的直覺才會領受到的，因此，我們可以理解布蘭德是多么反對人的過度自省。他只在領受到一個時空的氣氛之后，才開始思考——用什么樣技法才能表現這股味道。
布蘭特到底在他看到的世界中聞到什么味道呢？說穿了就是“鄉愁”：“每一個人在某些時刻都曾感受到一個房間的氣氛，這種氣氛和我們的情緒、或者是和某一個人，過去、未來、甚至是夢中的景象有關。當氣氛和這些東西結合在一起時，能產生一種非常尖銳的感情——兒子像是‘鄉愁’的情緒。不過這個“鄉愁”是廣義的——“未來”是“現在”的故鄉，“永恒”是“剎那”的故鄉，“宇宙”是“個人”的故鄉。布蘭特在他悲從中來的鄉愁催淚下按快門，放照片，希望別人了解他正念著故鄉。
展覽
布蘭特的作品在世界各地的博物館和畫廊中展出，其中包括：
- 1969年：比爾·布蘭特，紐約現代藝術博物館，由約翰·薩扎科夫斯基策劃。
- 1970年：比爾·布蘭特：攝影展，英國藝術委員會，倫敦
- 1975年：比爾·布蘭特：早期攝影，1930-1942年，英國藝術委員會，倫敦
- 1976年：比爾·布蘭特，馬爾伯勒美術館，倫敦[和/或紐約]
- 1981年：比爾·布蘭特：回顧展，皇家攝影學會/國家攝影中心，巴斯
- 1982年：比爾·布蘭特：肖像，國家肖像畫廊，倫敦
- 1983年：比爾·布蘭特：戰爭工作，倫敦攝影師畫廊
- 1985年：比爾·布蘭特：鏡頭背后，費城藝術博物館，由邁克爾·E·霍夫曼和簡·霍華德策劃。
- 2004年：比爾·布蘭特：百年回顧展，倫敦維多利亞和阿爾伯特博物館，由約翰-保羅·克諾特策劃。
- 2013年：光影，紐約現代藝術博物館，由莎拉·赫爾曼森·梅斯特策劃。
- 2013年：比爾·布蘭特，家庭早期作品，紐約埃德溫·豪克畫廊
- 2017年：比爾·布蘭特，1940年代作品和《哈珀斯巴扎》作品，紐約威廉·霍爾曼畫廊
- 2018年：比爾·布蘭特復古作品，倫敦邁克爾·霍普畫廊
- 2021年：比爾·布蘭特，慕尼黑Kunstfoyer（Versicherungskammer Kulturstiftung）
- 2022年：比爾·布蘭特：鏡中之內，泰特大英博物館，由卡羅爾·雅科比策劃。
這些展覽展示了布蘭特在不同時期的作品，反映了他的藝術發展和多樣化的攝影風格。通過這些展覽，觀眾可以更深入地了解布蘭特的創作理念和技術，以及他對攝影藝術的貢獻。
外部鏈接
參考資料 >